100th Window

O fechar da janela

2007-10-30T21:36:00.000Z

Como já devem ter reparado, há muito que não actualizo o blogue. A verdade é que não tenho tido tempo nem cabeça para voltar aqui. Com um estágio e um mestrado a ocuparem os meus dias, penso que chegou o momento de fechar esta janela. Agradeço a todos os que me vinham visitar e deixavam palavras simpáticas. Talvez um dia regresse para voltar a escrever sobre as minhas paixões: cinema, dança e música.

Joana C.

Cena Clássica #12

2007-07-13T23:06:00.000+01:00

"The Squid and the Whale" (2005), Noah Baumbach

Cena Clássica #11

2007-06-13T20:15:00.001+01:00

"Roma Città Aperta" (1945), Roberto Rosselini

“Ocean´s Thirteen”, Steven Soderbergh

2007-06-09T22:49:00.000+01:00

Lucky number

Em 2001 meio mundo parou para ver “Ocean´s Eleven”, um filme de acção que juntava as mais conceituadas estrelas de Hollywood. Com o estrondoso sucesso era de prever uma sequela; “Ocean´s Twelve” estreou em 2004, juntando Catherine Zeta-Jones ao já nobre elenco. Esta semana chegou às salas de cinema um dos filmes mais esperados do ano: “Ocean´s Thirteen”, novamente realizado por Steven Soderbergh.

À semelhança do primeiro filme da “saga”, “Ocean´s Thirteen” tem como pano de fundo um casino e conta com os actores que já tinham participado nos dois filmes anteriores: George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon, Andy Garcia, Don Cheadle, Bernie Mac, Casey Affleck, Scott Caan, Eddie Jemison, Shaobo Qin, Carl Reiner, e Elliot Gould. As novidades deste “Ocean´s Thirteen” são Al Pacino, no papel de vilão, e Ellen Barkin, no papel do seu braço direito (Julia Roberts e Catherine Zeta-Jones ficaram de fora do projecto).

Este é, muito provavelmente, o último filme do gang de Danny Ocean (George Clooney) que se volta a reunir para defender Reuben Tishkoff (Elliot Gould), um dos membros originais da equipa, que é enganado por Willy Bank (Al Pacino). Ocean e companhia decidem, assim, esvaziar os cofres do casino do implacável Bank com os seus planos surpreendentes que tão bem conhecemos dos filmes anteriores.

Muita acção, uma direcção de actores fantástica, uns toques de comédia, umas reviravoltas inesperadas e muito estilo…são estes os ingredientes utilizados por Steven Soderbergh para nos prender ao ecrã.

* * * *

Texto publicado na Revista DIF de Junho

Ciclo de Cinema na Faculdade de Letras de Lisboa

2007-05-16T22:22:00.000+01:00

LET'S LOOK AT THE TRAILER apresenta:

Ciclo de Cinema e Conferências - " OS CLÁSSICOS DE ONTEM E HOJE "
21 a 25 de Maio na FLUL, Anfiteatro III. ENTRADA LIVRE

(clicar na imagem para aumentar)

Apareçam! (eu sou uma das organizadoras, eheh).

Cena Clássica #10

2007-05-13T21:04:00.000+01:00

"Eternal Sunshine of a Spotless Mind" (2004), Michel Gondry

Petição

2007-05-03T22:37:00.000+01:00

Petição para que seja reconhecida a especificidade da profissão de bailarino de dança clássica da Companhia Nacional de Bailado, a condição de desgaste rápido e o direito a aposentação no final das suas carreiras, assim como efectivas soluções de reconversão.

Assinar petição

"En Soap" (2007), Pernille Fischer Christensen

2007-04-21T23:03:00.000+01:00

A vida delas dava uma telenovela

Charlotte (Trine Dyrholm) sai de casa do namorado com quem viveu quatro anos e muda-se para uma casa mais modesta para ter um espaço só para si. Conhece Veronica (Daniel Dencik), um transsexual que mora no apartamento debaixo do seu. Com o passar dos dias e à medida que se vão conhecendo melhor, surge uma empatia algo ambígua entre Charlotte e Veronica, ambas à espera de qualquer coisa da sua vida: Charlotte procura talvez um homem que a satisfaça (ao longo do filme vemos os seus encontros sexuais com homens casuais) e Veronica aguarda a autorização que lhe vai permitir mudar de sexo.

Podíamos pensar que a vida destas mulheres se cruza porque estão ambas sozinhas mas elas aproximam-se quando o ex-namorado de Charlotte a agride fisicamente. Veronica interfere e, de certa forma, salva Charlotte, levando-a para sua casa e cuidando carinhosamente dela. O mais interessante deste filme é mesmo relação entre as duas, nunca evidenciando nada de muito concreto. O final em aberto deixa ao critério de cada espectador o rumo daquelas duas personagens, podendo cada um de nós imaginar a continuação das suas histórias.

Muito longe dos ambientes dos filmes de Almodóvar, também muitas vezes centrados em mulheres e transsexuais, “En Soap” é um filme mais melancólico e realista, no sentido em que é filmado com o mínimo de artifício possível. O único recurso mais elaborado a nível estilístico é a separação do filme por capítulos, a preto e branco e com um narrador que nos vai dando umas pistas sobre o que vai acontecer a seguir. Essa divisão de “En Soap” por capítulos parece fazer referência ao universo das telenovelas (as telenovelas têm, aliás, um papel importante, ou não fizessem parte do próprio título do filme).

Os desempenhos de Daniel Dencik e Trine Dyrholm são impecáveis, mostrando a entrega destes dois actores. O cinema dinamarquês é pouco conhecido em Portugal mas este filme, que ganhou o prémio de Melhor Primeira Obra no festival de Berlim de 2006, pode ser um bom começo para conhecermos um pouco mais do cinema deste país nórdico.

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Cena Clássica #10

2007-04-13T22:21:00.000+01:00

"Gentlemen Prefer Blondes", Howard Hawks (1953)

"We will always have Paris..."

2007-03-29T22:29:00.000+01:00

Vou ali a Paris e já venho. Até para a semana!

“Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus” (2007), Steven Shainberg

2007-03-25T23:52:00.000+01:00

O mundo pelos olhos de Diane Arbus

Tal como o próprio título do filme indica, “Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus” não é uma biografia convencional e factual sobre uma figura real. É antes uma biografia imaginada da fotógrafa norte-americana Diane Arbus, ou seja, uma espécie de olhar por dentro da sua mente. O filme não pretende sintetizar os aspectos mais relevantes da vida da fotógrafa mas sim mostrar a sua transformação interior e o despertar do seu interesse pela fotografia.

A acção de “Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus” centra-se no ano de 1958, ano em que vemos Diane (Nicole Kidman) como uma dona de casa ideal que, além de mãe e esposa extremosa, é também a assistente do seu marido, um conceituado fotógrafo de moda. Quando um misterioso homem se muda para o prédio de Diane, esta tenta conhecê-lo a todo o custo pois sente-se atraída pela sua aura enigmática. Lionel (Robert Downey Jr.), o vizinho, vai ajudar Diane a fugir da sua vida monótona e a despertar a sua veia artística, dando-lhe a conhecer o mundo das prostitutas, dos anões, dos gigantes, ou seja, o mundo dos freaks.

Não sendo esta uma biopic para se levar à letra, em “Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus” a personagem ficcional de Lionel serve como um elo de ligação entre o mundo convencional de Diane e o submundo da sociedade (que mais tarde vai ser a principal inspiração para o trabalho de Arbus como fotógrafa). Grande destaque para a interpretação de Nicole Kidman e Robert Downey Jr.

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“The Curse of the Golden Flower” (2007), Zhang Yimou

2007-03-19T21:41:00.000Z

Maldição de Família

O último filme de Zhang Yimou estreou recentemente nas salas portuguesas e marca o regresso deste internacionalmente conhecido realizador chinês aos cenários da China ancestral. “The Curse of the Golden Flower”, à semelhança dos dois filmes anteriores (“Hero” e “House of Flying Daggers”), tem como pano de fundo a corte imperial da ostensiva Dinastia de Tang onde os segredos e as relações complexas fazem parte da vida da família real. Épico e magistral, este drama representa uma sociedade dominada por homens onde a Imperatriz (Gong Li) tem como amante o filho do Imperador, enquanto suspeita que o seu marido (Chow Yun Fat) está a envenená-la lentamente.

Este foi o filme chinês mais caro até à data e isso é visível nos cenários absolutamente extraordinários que recriam o glamour e a opulência deste período próspero da história da China. Foi dada também uma especial atenção à iluminação, às cores (onde o dourado impera), aos figurinos (com detalhes espantosos), à maquilhagem e aos efeitos especiais.

Apesar deste “The Curse of the Golden Flower” ser espantoso a nível visual, parece que falta “alma” ao filme e às personagens. O argumento é um pouco pobre e deveria dar maior ênfase à intriga e relação entre o Imperador e a Imperatriz. No entanto, as espantosas cenas de combate, os cenários absolutamente extraordinários e a interpretação de Gong Li são bons motivos para ir ver este filme.

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Cena Clássica #9

2007-03-13T21:32:00.000Z

"Kill Bill 1" (2003), Quentin Tarantino

“Notes on a Scandal” (2007), Richard Eyre

2007-03-06T18:30:00.000Z

We are bound by the secrets we share.

A vida de Barbara Covett (Judi Dench), uma professora que escreve todos os pormenores da sua vida num diário, muda radicalmente quando Sheba Hart (Cate Blanchett) começa a dar aulas na escola onde ela lecciona. Solitária, autoritária e profundamente obsessiva, Barbara encontra na figura de Sheba um alvo frágil que é capaz de lhe revelar os mais profundos segredos da sua alma. Barbara percebe que tem Sheba na sua mão quando descobre que esta mantém uma relação amorosa com um aluno.

“Notes on a Scandal” centra-se fundamentalmente na relação entre estas duas mulheres: Sheba vê apenas a sua relação com a colega de trabalho como amizade e faz-lhe confidências por ver, talvez, uma figura materna em Barbara; por outro lado, Barbara quer muito mais do que aquilo que Sheba tem para lhe oferecer.

Barbara pretende tomar controlo completo da vida de Sheba e vê uma excelente oportunidade de o fazer quando descobre o segredo da relação entre a professora e aluno. Percebemos desde logo que o que Barbara pretende não é denunciar Sheba; o que ela deseja é ter algo que possa usar como arma se Sheba descobrir os seus impulsos doentios.

As interpretações de Cate Blanchett e, principalmente, da veterana Judi Dench (ambas nomeadas para os Óscares deste ano, na categoria de Actriz Secundária e de Actriz Principal, respectivamente) são essenciais para o resultado final do filme. O clima controlador e psicologicamente pesado que Dench cria é absolutamente impressionante, dando ao filme uma aura densa e perturbadora.

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Gostar de sapatos

2007-03-04T11:48:00.000Z

"Diamond Dust Shoes" (1980), Andy Warhol

“Little Children” (2006), Todd Field

2007-02-19T22:39:00.000Z

Segredos íntimos

Todd Field impressionou meio mundo quando estreou o muito aclamado e dramático “In the Bedroom” em 2001. Este ano estreia “Little Children” que, à semelhança do antecessor, tem como principais temáticas a família e os dramas interiores.

Baseado num romance de Tom Perrota, “Little Children” tem como pano de fundo um qualquer subúrbio norte-americano. Sarah (Kate Winslet), tal como as outras mães, leva todas as tardes a sua filha ao parque infantil. Mas esta mulher não se identifica com as superficialidades das outras mães; Sarah pretende ter uma vida diferente e mais emocionante. A monotonia do quotidiano de Sarah muda completamente quando conhece Brad (Patrick Wilson), um homem que tem o papel incomum de cuidar do filho enquanto a mulher trabalha.

“Little Children” é, pois, uma história de adultos. Sarah tenta fugir à banalidade da sua vida, ao marido que está mais interessado na pornografia cibernética do que nela e às suas funções como mãe. Sarah quer, tal como a Madame Bovary citada no filme, algo mais da sua vida, algo extraordinário e excitante. Por isso envolve-se com Brad, um homem que, apesar de aparentemente ter uma mulher perfeita, sente falta de afectos (a sua mulher é viciada no trabalho e prefere passar os tempos livres a apaparicar o filho).

Outra personagem central nesta grande história feita de pequenas histórias é Roonie (Jackie Earle Haley), um pedófilo recentemente libertado da prisão. Este homem acaba por ser o bode expiatório de tudo o que acontece de mal neste subúrbio. Os adultos desta pequena comunidade organizam-se para protegerem os seus filhos deste homem (impressionante a cena da piscina) mas não se preocupam com os seus próprios erros e mesquinhices. Ronnie é aqui retratado como um homem frágil e humano que vive com a mãe que tenta, a todo o custo, transformá-lo num homem normal.

“Little Children” é um herdeiro perfeito dos melodramas clássicos dos anos 50, onde tudo parece perfeito mas a realidade é muito mais “negra”. Personagens bem caracterizadas e “humanizadas”, o clima da tragédia sempre a pairar no ar, histórias que acabam por se cruzar no parque infantil e na piscina do subúrbio e um narrador que vai relatando os factos e pormenores íntimos das personagens: “Little Children” é um belíssimo retrato daquilo que sabemos que existe mas que está muitas vezes escondido pelas convenções sociais.

Kate Winslet, excelente como sempre, está nomeada para o Óscar de Melhor Actriz, enquanto Jackie Earle Haley está nomeado para o Óscar de Melhor Actor Secundário. Pactrick Wilson, que o ano passado vimos em “Hard Candy” (numa interpretação completamente diferente), tem também um papel de destaque neste filme.

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Cena Clássica #8

2007-02-13T20:28:00.000Z

"Breakfast at Tiffany´s"(1961), Blake Edwards

“Scoop” (2007), Woody Allen

2007-02-08T22:45:00.000Z

I was born of the Hebrew persuasion, but I converted to narcissism.

Depois de ter estreado o ano passado um dos melhores filmes de 2006, o negro “Match Point”, Woody Allen volta à comédia com “Scoop”.
De novo com Inglaterra como cenário e com Scarlett Johansson no papel feminino principal, “Scoop” vem demonstrar como Allen não se esqueceu de como se faz uma boa comédia, com um texto inteligente e uma escolha de actores bastante acertada.

Sondra Pransky (Scarlett Johansson) é uma jovem estudante de jornalismo que recebe uma enigmática visita do fantasma de um jornalista que morreu e que tem para lhe oferecer uma história bombástica. O jornalista revela a Sondra novas pistas sobre o “Assassino da Carta de Tarot”, um serial-killer que mata mulheres de cabelo curto e escuro. Com a ajuda de um mágico desastrado (o próprio Woody Allen), a investigação leva Sondra até Peter Lyman (Hugh Jackman), um galante e charmoso homem de negócios.

Esta nova comédia de Woody Allen não está ao nível de “Match Point” mas também não desilude ninguém. Com os diálogos frenéticos a que Allen nos habituou, “Scoop” é uma divertida comédia que, à semelhança do seu filme “The Curse of the Jade Scorpion” de 2001, tem como pano de fundo o universo da magia.

Scarlett Johansson, que não costumamos ver em papéis cómicos, saiu-se bastante bem em “Scoop”. Há quem veja no seu papel uma espécie de Allen no feminino, tal é a semelhança dos tiques e da maneira de falar. Woody Allen e Hugh Jackman também estão bastante bem nos seus papéis em tudo divergentes.

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“The pursuit of hapyness” (2007), Gabrielle Muccino

2007-02-03T21:26:00.000Z

-What would you say if man walked in here with no shirt, and I hired him? What would you say?
-He must have had on some really nice pants.

“The pursuit of hapiness” é um filme baseado na história verídica de Christopher Gardner (Will Smith), um vendedor que pretende tentar a sua sorte como corretor da bolsa. Farto de andar de hospital em hospital a vender uma máquina em que quase ninguém vê utilidade, Chris pretende mudar de profissão para poder oferecer ao seu filho uma vida melhor. Este homem terá que provar no seu estágio que é o melhor candidato a trabalhar na bolsa, não só porque é um homem extremamente inteligente como também um grande lutador.

Apesar do ritmo algo lento que o filme adopta, “The pursuit of hapiness” não deixa de nos deixar comovidos e inspirados pela força de vontade dum homem que do nada, fez fortuna. A história típica do self-made man é particularmente comovedora neste filme uma vez que Chris tem à sua guarda o filho de cinco anos (que é, em jeito de curiosidade, interpretado pelo próprio filho de Will Smith) e é nele que encontra as forças para seguir o seu sonho.

Will Smith tem neste filme um papel que lhe valeu a nomeação para o Óscar de Melhor Actor Principal. Smith revela-se assim um actor versátil, bastante competente na interpretação de papéis dramáticos.

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“Babel” (2006), Alejandro González Iñarritu

2007-02-02T21:58:00.000Z

(In)Comunicação Intercultural

O cineasta mexicano Alejandro González Iñarritu estreia agora o filme que marca o fim da sua “trilogia da dor” iniciada em 2000 com o filme “Amores Perros”. Desde esta primeira incursão sobre os caminhos do sofrimento do homem, Iñarritu surpreendeu pela aparente desconstrução dos seus filmes. A montagem intercalada de diferentes histórias, que no fim acabam por se interligar, é a característica mais marcante desta trilogia composta por “Amores Perros” (2000), “21 Grams” (2003) e o mais recente “Babel”.

Em “Babel” existem três histórias paralelas, cada uma passada num continente diferente. Em Marrocos, duas crianças acabam por alvejar uma americana (Cate Blanchett) enquanto brincam com a espingarda que o pai lhes deu. Nos EUA uma empregada mexicana tem que ir ao casamento do filho mas como não arranja ninguém que fique com as crianças, atravessa a fronteira com o México e leva consigo os dois filhos dos patrões. No Japão, uma jovem surda-muda procura desesperadamente a atenção e afecto por que tanto anseia. Órfã de mãe, Chieko (Rinko Kikuchi) expressa a sua vontade de se adaptar ao mundo que a rodeia expondo a sua sexualidade.

Três continentes diferentes, três culturas e inúmeras personagens acabam por se relacionar em “Babel”, filme belíssimo sobre as fragilidades que acabam por afectar todos os seres humanos.
Quer na aridez marroquina e americana, quer na grande metrópole que é Tóquio, todas as personagens estão isoladas e incapacitadas de comunicar umas com as outras. “Babel” é, desde já, o meu favorito ao Óscar de Melhor Filme.

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Cena Clássica #7

2007-01-13T22:45:00.000Z

"Ghost World" (2001), Terry Zwigoff

Top Música 2006

2007-01-06T22:12:00.000Z

1- “Css”, Cansei de Ser Sexy

2- “First impressions on earth”, The Strokes

3- “Collected”, Massive Attack

4- “Marie Antoinette OST”, Vários artistas

5- “Show your bones”, Yeah Yeah Yeahs

6- “The Eraser”, Thom Yorke

7- “We are the Pipettes”, Pipettes

8- “Let´s get out of this country”, Camera Obscura

9- “She wants revenge”, She wants revenge

10- “Silent shout”, The Knife

Top Cinema 2006

2006-12-31T12:42:00.000Z

1 – “Match Point”, Woody Allen

2- “Babel”, Alejandro Gonzalez Iñarritu

3- “Marie Antoinette”, Sofia Coppola

4- “Le temps qui reste”, François Ozon

5- “Breakfast on Pluto”, Neil Jordan

6- “The squid and the whale”, Noah Baumbach

7- “The Departed”, Martin Scorsese

8- “Volver”, Pedro Almodóvar

9- “Little Miss Sunshine”, Jonathan Dayton/Valerie Faris

10- “Me and you and everyone we know”, Miranda July

Boas festas!

2006-12-22T21:52:00.000Z

Desejo a todos um Bom Natal e um 2007 cheio de bom cinema e boa música ;)

Espero que gostem do novo design do blog!

“Thank you for smoking” (2006), Jason Reitman

2006-12-20T22:49:00.000Z

Michael Jordan plays ball. Charles Manson kills people. I talk. Everyone has a talent.

Nick Naylor (Aaron Eckhart) é um lobista que trabalha para a empresa Big Tobacco. É odiado por muita gente uma vez que o seu trabalho consiste em defender as empresas tabagistas e os milhares de fumadores do mundo inteiro. Intitulado de assassino de massas e sanguessuga, Nick é um homem que adora o seu trabalho desafiador e que acredita que o seu dom é falar.
Quando o senador Finistirre (William H. Macy) e os extremistas da saúde pretendem colocar rótulos nos maços de tabaco com a indicação de veneno, Nick vê-se imbuído numa missão que pretende devolver aos cigarros o seu estatuto de estilo e glamour, como sucedia na época áurea do cinema clássico americano.

“Thank you for smoking” tem a seu favor um brilhante argumento, adaptado do livro homónimo de Christopher Buckley. O assunto retratado é delicado mas este filme aborda-o dum ponto de vista satírico e oposto ao habitual: o “herói” do filme é o manipulador que ganha a vida a defender um produto que mata milhares e milhares de pessoas todos os anos. Mas é impossível não nos rendermos ao discurso impecavelmente bem articulado de Nick Naylor, por muito que sejamos contra o tabaco.

Nesta comédia satírica que pretende, de certa forma, ridicularizar a perseguição a que os fumadores estão sujeitos nos dias de hoje, o poder da palavra é a questão fulcral.
Provocatório e inteligente, assim podemos definir “Thank you for smoking”.

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Cena Clássica #6

2006-12-13T22:10:00.000Z

"La maman et la putain" (1973), Jean Eustache

"Fácil de Entender" - The Gift no CCB

2006-12-10T21:20:00.000Z

Ontem os The Gift estrearam-se no Grande Auditório do CCB com um concerto de promoção ao novo disco, "Fácil de entender".
Em jeito de best of, a banda de Alcobaça desfilou músicas de todos os seus álbuns (com novos arranjos) e ainda nos presenteou com músicas inéditas e algumas versões.
Visualmente originais e inspirados, os The Gift afirmam-se mais uma vez como uma das grandes bandas portuguesas. Não só se nota um exímio profissionalismo aliado à boa disposição da banda em palco, como também a componente estética do espectáculo encontra-se no que de melhor se faz por cá.

“The Queen” (2006), Stephen Frears

2006-12-04T12:57:00.000Z

Nascida para reinar

Em Agosto de 1997 a morte da Princesa Diana chocou o mundo inteiro. A princesa do povo, como mais tarde viria a ser chamada, foi vítima de um fatal acidente de viação em Paris provocado por uns paparazzi que buscavam a última foto sensação da tão mediática Lady Di.
A resposta da família real britânica ao trágico e inesperado acidente foi manter a privacidade das emoções e não tornar público o funeral e as condolências prestadas a Lady Di. Em total contraste a esta posição conservadora e protectora tomada pela Rainha Isabel II (Helen Mirren), está a posição defendida por um então recém primeiro-ministro Tony Blair (Michael Sheen) que apelava a um funeral público onde o povo pudesse despedir-se da sua adorada princesa.

“The Queen” é um filme que segue as heranças britânicas de um gosto especial pelas biografias de figuras importantes, especialmente de monarcas que marcaram a história. No entanto, este filme não se trata de uma biografia da vida da Rainha Isabel II, mas sim de um episódio específico da vida da monarca que veio, de certa forma, pôr em causa o seu papel como governante.
O realizador Stephen Frears, que o ano passado nos brindou com o divertido “Mrs.Henderson Presents”, procurou completar as imagens ficcionais deste acontecimento com imagens reais e de arquivo, a fim de dar uma maior credibilidade ao filme.

“The Queen” é um filme composto por uma dicotomia: por um lado vemos a reacção contida e algo fria da família real em relação à morte da Lady Di, enquanto do outro lado vemos um povo emotivo a chorar a morte da sua princesa. No meio encontramos um primeiro-ministro que procura ser o mediador entre os desejos afectuosos do povo britânico e uma Rainha que pretende resguardar os seus sentimentos mais íntimos e privados.

Helen Mirren foi galardoada no Festival de Veneza deste ano com o prémio de Melhor Actriz, prémio que não podia ter sido melhor entregue visto este ser um dos papéis femininos do ano. A actriz conseguiu dar a Isabel II uma imagem não só de uma mulher forte que tenta a todo o custo manter o equilíbrio na sua família e nas relações com o seu povo, mas também uma mulher com sentimentos e extremamente humana (veja-se a cena em que a rainha vai ver o veado degolado).

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“Viúva rica solteira não fica” (2006), José Fonseca e Costa

2006-12-01T21:35:00.000Z

Viúva antes do tempo

O novo filme de José Fonseca e Costa reporta-nos para século XIX, século onde decorre a história de Dona Ana Catarina (Bianca Byington), uma jovem aristocrata herdeira de vastos terrenos vinícolas. Depois de um primeiro casamento que resultou numa viuvez precoce, D.Ana Catarina volta a casar com cada um dos seus pretendentes. Deixando de lado o seu verdadeiro amor, a viúva rica acaba por assistir à morte estranha de todos os seus maridos.

“Viúva rica solteira não fica” é uma comédia negra onde a morte está sempre à espreita, aguardando o momento de entrar em cena.
O ambiente recriado para o filme é claramente queirosiano, desde o padre cheio de defeitos, aos ambientes luxuosos e falsos da alta sociedade portuguesa, passando pelas lutas e arrufos entre os pretendentes de D.Ana Catarina.

Sendo uma divertida comédia de costumes que tão bem nos alude para os ambientes de finais do século XIX, este filme ganha sobretudo pelo magnífico conjunto de personagens e actores onde encontramos um caricatural Capitão Malaparte, interpretado por Rogério Samora, e uma prestável e enigmática ama interpretada por Cucha Carvalheiro.

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“La Science des rêves” (2006), Michel Gondry

2006-11-23T21:45:00.000Z

Tonight I'll show you how dreams are prepared, love, friendships, relationships. All those ships.

Michel Gondry é um nome bem conhecido na área de videoclips musicais. No seu currículo constam trabalhos realizados para os White Stripes, Björk, Daft Punk, Beck, Massive Attack, entre outros. Mas foi em 2004 que Gondry viu o seu nome mundialmente consagrado após realizar um dos melhores filmes dos últimos tempos: “Eternal Sunshine of a spoteless mind”. Neste pequeno tesouro do cinema independente, Gondry transportou toda a sua imaginação e fantasia para o grande ecrã.

Dois anos após o merecido sucesso de “Eternal Sunshine of a spoteless mind”, Michel Gondry volta às lides cinematográficas num filme que adopta claramente as concepções estéticas do anterior.
“La Science des rêves” segue a vida de Stéphane (Gael Garcia Bernal), um jovem que se muda para Paris após ter vivido no México. Com um emprego monótono em que lhe é impossível dar asas à sua fértil criatividade, Stéphane encontra na sua vizinha Stephanie (Charlotte Gainsbourg) uma cúmplice para os seus desvarios oníricos.
A vida de Stéphane transforma-se num verdadeiro caos, não só porque ele mistura constantemente os seus sonhos com a realidade, como também Stephanie, por quem acaba por se apaixonar, vai perdendo o interesse nele e nas suas invenções.

Seria bastante difícil para Gondry superar a sua obra-prima anterior, que além de ser visualmente original, tinha também um argumento fabuloso escrito em conjunto com Chlarlie Kaufman. Mediante isto, “La Science des rêves” é apenas um filme engraçado e bastante criativo nas cenas dos sonhos de Stephane (que são, sem dúvida, as partes mais interessantes e atraentes do filme).
O sempre versátil Gael Garcia Bernal e a actriz/cantora Charlotte Gainsbourg têm interpretações agradáveis de ver, apesar de nunca chegarem a brilhar como Jim Carrey e Kate Winslet, o par amoroso de “Eternal Sunshine of a spoteless mind”.

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“Paris, Je t´Aime” (2006), vários realizadores

2006-11-16T21:58:00.000Z

Em 1965 seis realizadores da Nouvelle Vague , entre eles Godard e Truffaut, assinaram um filme conjunto sobre Paris com o nome “Paris visto por…”.
Os responsáveis pelo projecto “Paris, Je t´Aime”, indo buscar claramente inspiração ao filme dos anos sessenta, pediram a dezoito realizadores de todo o mundo (originalmente eram para ser vinte) para filmarem uma curta-metragem sobre um bairro parisiense.
A cidade das luzes é assim filmada com diferentes pontos de vista e serve de cenário a pequenas histórias de amor, terror, solidão, etc. É esta diversidade de estilos que torna este conjunto de pequenos filmes tão agradável de visualizar.

Como era de prever, há curtas-metragens bem mais interessantes e melhor estruturadas do que outras. Dentro da categoria de verdadeiras pérolas cinematográficas encontramos a curta de Joel e Ethan Coen, com Steve Buscemi numa interpretação genial como turista alheio e estranho aos costumes locais na estação de metro das Tulherias; a de Isabel Coixet que filma a (re)descoberta do amor por parte de um casal à beira do divórcio; a de Tom Tykwer, com a sempre agradável Natalie Portman numa curta de ritmo aceleradíssimo e com sabor a filme indie em torno de duas personagens cativantes; a de Alfonso Cuarón, com Nick Nolte e Ludovine Saigner a darem-nos um final surpreendentemente inesperado e cómico; e a de Alexander Payne, autor de “Sideways”, que retrata a viagem solitária de uma americana de meia-idade a Paris, curta-metragem profundamente comovente e enternecedora.

Além destes pequenos sketches , “Paris Je t´Aime” é ainda constituído por pequenas obras de Gus Van Sant, Walter Salles, Wes Craven, Gérard Depardieu e Fréderic Auburtin, entre outros, e com interpretações de alguns nomes bem conhecidos como Fanny Ardant, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Maggie Gyllenhaal, Marianne Faithfull, Elijah Wood, Bob Hoskins e Gena Rowlands.

Com um rol de actores e realizadores tão conceituados vale a pena ir ver este conjunto de filmes onde Paris, a eterna cidade do amor e do cinema, se torna também uma personagem com vida.

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Cena Clássica #5

2006-11-11T22:25:00.000Z

"Bin Jip/3 Iron" (2005), Kim Ki-duk

“Dans Paris” (2006), Christophe Honoré

2006-11-06T22:20:00.000Z

Às voltas em Paris

Paul (Roman Duris) e Jonathan (Louis Garrel) são os dois irmãos do centro da história de “Dans Paris”. O primeiro volta à casa do pai em Paris após a dolorosa separação amorosa que o deixa em estado de completa depressão e inércia; o segundo é um bom vivant que num só dia tem três encontros sexuais com raparigas diferentes.

Estruturado com alguns flashbacks que nos apresentam o contexto da separação de Paul, “Dans Paris” é um filme melancólico e cinzento que apenas alivia nas cenas em que vemos a leviandade quase cómica de Jonathan (que chega a confessar que as aventuras sexuais que teve nesse dia foram em “honra” do irmão).

Romain Duris, que já conhecíamos desde o sucesso “L´Auberge espagnole” e do denso “De battre mon couer s´est arrêté”, e Louis Garrel (“The Dreamers”) são extraordinários na pele destes dois irmãos que, dadas as circunstâncias da vida, voltam a partilhar não só o mesmo espaço físico como também as suas mágoas e confissões.
Guy Marchant é também espantoso no papel do pai preocupado com os seus filhos e que tenta retirar Paul do seu profundo estado depressivo.

“Dans Paris” é o filme que procura ressuscitar a “nova vaga” do cinema francês, as suas personagens individualizadas e os momentos que parecem não fazer sentido nenhum.
É ainda um filme nostálgico, como podemos ver na belíssima cena em que Roman Duris está só no seu quarto a cantar “Cambodia” de Kim Wilde, música que o faz recordar os tempos da adolescência, esses anos 80 onde ainda não sofria por amor e tinha uma existência despreocupada.

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“The Devil wears Prada” (2006), David Frankel

2006-10-28T21:33:00.000+01:00

You are in desperate need of Chanel.

Andrea (Anna Hathaway) é uma jovem aspirante a jornalista que arranja o primeiro emprego numa revista de moda, a Runway, da qual nunca ouviu falar. Só que esta revista que lhe é desconhecida, é a maior revista de moda do mundo e tem como editora uma das mulheres mais conhecidas e implacáveis: Miranda Priestly (Meryl Streep).
Andrea passa a ser a nova assistente de Miranda, um emprego que milhares de raparigas gostariam de ter. Mas para a jovem tudo se torna num verdadeiro inferno uma vez a arrogante chefe despreza completamente os seus funcionários e obriga-os a cumprirem os seus exigentes caprichos.

“The Devil wears Prada”, filme que foi claramente inspirado na editora chefe da Vogue americana, Anna Wintour, dá-nos a conhecer os bastidores de uma revista de moda onde as aparências são o que realmente interessam. Os funcionários e a própria chefe têm que abdicar da vida pessoal em prol da dedicação e sucesso da revista.
Mas o que realmente é aqui analisado é a atitude de Miranda, uma excelente profissional com exigências extravagantes mas que no fundo compensa no trabalho aquilo que lhe falta na vida privada.

Este é um filme divertido, cheio de estilo e de piadas em torno do mundo dos estilistas e das passerelles.
Meryl Streep é espantosa na sua interpretação da fria e arrogante Miranda. Um papel em que não a imaginávamos mas que sem dúvida lhe assenta como uma luva. Chanel de preferência.

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"Little Miss Sunshine” (2006), Jonathan Dayton/Valerie Faris

2006-10-24T22:11:00.000+01:00

Oh my God, I'm getting pulled over. Everyone, just... pretend to be normal.

A família Hoover é, aparentemente, uma família normal. Mas logo numa primeira abordagem ficamos a saber que esta família é bastante peculiar e vive em constantes fricções. O patriarca (Greg Kinnear) ganha a vida a fazer palestras sobre como ser um vencedor na vida, o avô (Alan Arkin) consume drogas e é o mais irresponsável do clã, o tio (Steve Carrel) é um homossexual que além de ter falhado na carreira, falhou também no seu suicídio, Dwayne (Paul Dano) é o irmão que fez um voto de silêncio até conseguir entrar para a Força Aérea e a mãe (Toni Collete) é quem tentar pôr uma certa ordem na casa e na família.
Falta-nos a pequena Olive (Abigail Breslin), que é a personagem por onde toda a história do filme gira em torno. Olive tem o sonho de vir a ser uma Miss e, com a ajuda do avô e da restante família, viaja até à Califórnia para participar no concurso Little Miss Sunshine.

A viagem que os Hoover fazem na sua carrinha Volkswagen, não só vai tornar o sonho de Olive numa realidade, como também vai servir para a própria família se conhecer.
É durante a viagem que estas personagens disfuncionais e excêntricas, cada uma com o seu travo individual de loucura, vão percebendo com quem realmente vivem e quais as fragilidades que as rodeiam como família.

“Miss Little Sunshine”, para além de ser uma divertidíssima comédia saída do cinema independente norte-americano, tem ainda umas agradáveis pitadas de sátira social e drama.
O elenco não podia ter sido melhor escolhido, com especial destaque para a pequena Olive.

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Cena Clássica #4

2006-10-17T21:15:00.000+01:00

Tudo sobre mi madre (1999), Pedro Almodóvar

“The Black Dahlia” (2006), Brian de Palma

2006-10-11T23:04:00.000+01:00

Nothing stays buried forever. Nothing.

Adaptado do romance homónimo de James Ellroy, a história de “The Black Dahlia” passa-se em Los Angeles na década de 40.
Bucky Bleichert (Josh Hartnett) e Lee Blanchard (Aaron Eckhart), dois agentes policiais e ex-pugilistas, são destacados para investigar o caso de uma jovem aspirante a actriz que foi brutalmente assassinada.
À medida que a investigação avança, Bleichert e Blanchard vão-se tornando obcecados com o caso e as suas próprias vidas se misturam com a história da Dália Negra.

Visualmente repleto de glamour, ou não se tratasse de um filme decorrido na década de 40, “The Black Dahlia” peca em alguns aspectos, nomeadamente na exaustão de informação dada (informação essa que chega a confundir o espectador).
Vamos recebendo muitos dados mas é só na recta final do filme que os factos vão encaixando um pouco às três pancadas.

Inspirado claramente nos filmes noir dos anos 40 e 50, “The Black Dahlia” tem um argumento bastante interessante (que no entanto poderia ter-se centrado mais no assassinato da Dália Negra sem enveredar por outros caminhos), interpretações exigentes (se bem que Scarlett Johansson não tenha um papel muito relevante na trama) e é estilisticamente inspirador.

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O beijo

2006-10-07T22:35:00.000+01:00

Kiss V (1964) - Roy Lichtenstein

“Impeach my bush” (2006), Peaches

2006-09-30T22:02:00.000+01:00

Peaches, a libertina

A irreverente Peaches está de volta para mais um disco choque. Depois da estreia “Teaches of Peaches”, na qual ficámos a conhecer uma mulher sem papas na língua, seguiu-se “Fatherfucker”, igualmente explícito nas suas referências sexuais.

“Impeach my bush” é um álbum um pouco mais adulto e profissional, características que se notam nas sonoridades mais talhadas mas igualmente arrojadas.
A aposta mais rock e punk deste álbum é uma das principais diferenças em relação aos dois trabalhos anteriores onde eram as electrónicas que predominavam.

Contudo, “Impeach my bush” continua a apresentar-nos uma Peaches provocadora, extravagante e sexualmente irreverente, tanto na postura como nas letras das músicas.
A ouvir com atenção: “Tent in your pants”, “Boys wanna be her”, “Downtown”, “Get it” e “Rock the Shocker".

8/10

"The Pillowman", Teatro Maria Matos

2006-09-24T20:40:00.000+01:00

A arte da escrita

Até que ponto tem um artista controle sobre a sua obra? Pode ele ser responsabilizado se alguém fizer mau uso da sua criação? Até onde vão os limites da arte?
Estas são apenas algumas questões levantadas na soberba peça que está agora em cena no Teatro Maria Matos em Lisboa.
“The Pillowman”, de Martin McDonagh e com encenação de Tiago Guedes (“Coisa Ruim”), é uma peça indispensável e com um excelente elenco composto por Gonçalo Waddington, Marco D´Almeida, João Pedro Vaz e Albano Jerónimo.
As interpretações, o texto mordaz, o efeito de luzes e os cenários são as componentes essenciais que fazem desta peça um excelente espectáculo.
Para ver até 15 de Outubro.

“Paradise now!” (2006), Hany Abu-Hassad

2006-09-23T21:42:00.000+01:00

O Paraíso aqui tão perto

Said (Kais Nashef) e Khaled (Ali Suliman) são dois jovens palestinianos que são indicados para cometerem um atentado em Israel.
“Paradise Now!” é um filme que retrata as últimas horas destes dois bombistas suicidas, desde as suas despedidas com a família (que desconhecem a que destino fatal Said e Khaled se vão entregar), até aos rituais iniciáticos e preparatórios do acto “heróico” que estão prestes a cometer.

Este filme pretende mostrar um lado que nós desconhecemos: o lado mais humano e real destas pessoas que, levadas pelo seu fundamentalismo religioso, são capazes de tudo para mudarem um pouco o estado das coisas.
O confronto Palestina/Israel está bem vincado neste filme onde se evidenciam perfeitamente as diferenças abismais em termos sociais e económicos entre Nablus e Telavive.

Onde “Paradise Now!” se torna um grande filme, é precisamente onde muitos outros falham: não é preciso mostrar imagens gráficas de terror para sabermos o que se está a passar. Claro que falo na cena final do filme, cena essa silenciosa e uma das melhores que tenho visto ultimamente por toda a força e significado que lhe estão inerentes.

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“We are the Pipettes” (2006), The Pipettes

2006-09-19T23:15:00.000+01:00

Pop às bolinhas

Três raparigas inglesas. Música divertida e coreografias kitsh. E bolinhas, muitos vestidos às bolinhas. Com estas palavras podemos definir as Pipettes, banda inglesa que editou este Verão um dos álbuns mais açucarados e alegres do ano.

“We are the Pipettes” é uma autêntica homenagem aos anos sessenta. Gwenno, Rose e Becki, o novo trio maravilha da pop britânica, não só souberam escolher os vestidos ideais inspirados no glamour dos anos sessenta, onde as bolinhas e as cinturas bem demarcadas predominam, como também foram beber as sonoridades dessa época.
Ao ouvirmos este álbum, a energia das raparigas é contagiante, assim como os ritmos plenos de palminhas e refrões orelhudos.

É impossível ficarmos indiferentes às músicas sumarentas com letras tão divertidas. “We are the Pipettes”, faixa de abertura do álbum homónimo, é como que um hino onde as três inglesas se afirmam como as raparigas mais giras que por aí andam. “Pull Shapes”, a música que se segue, é também uma das melhores amostras do divertimento do trio. “Dirty Mind”,“Your kisses are wasted on me” e “Tell me what you want” são outros excelentes temas que compõem este primeiro álbum tão original.

Pode ser que esta seja uma daquelas bandas de um só álbum mas também pode ser que a onda anos sessenta (com os vestidos às bolinhas incluídos) ainda esteja na moda para o ano.

8/10

“Volver” (2006), Pedro Almodóvar

2006-09-15T20:01:00.000+01:00

Voltar a casa

Almodóvar, cineasta (re)conhecido por transpor para os seus filmes o complicado universo das mulheres, volta a esta sua preferência após o seu último filme ("La Mala Educación") ser uma evocação do seu próprio passado e das suas vivências num mundo de homens.

Em "Volver" seguimos os passos de três gerações de mulheres fortes e determinadas mas com os medos e superstições a que o sexo feminino está mais susceptível.
Neste filme em que Almodóvar escolheu a sua terra natal como cenário (a ventosa La Mancha), Irene (Carmen Maura), que todos julgavam morta num incêndio juntamente com o seu marido, aparece às suas filhas para resolver alguns problemas pendentes.

Apesar da premissa espiritual e sobrenatural, "Volver" é um filme bastante realista sobre mulheres endurecidas pela vida e pelos homens, o eterno mal nos filmes de Almodóvar.
O desempenho das actrizes, premiadas no Festival de Cannes deste ano, é excepcional, com principal destaque para Penélope Cruz. A sua interpretação como Raimunda, sem dúvida a mais sofrida e forte destas mulheres, é admirável e mostra-nos o talento de uma actriz que até agora não se tinha revelado com a mesma paixão pela arte do cinema.

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Cena Clássica #3

2006-09-10T19:18:00.000+01:00

Nightmare before Christmas (1993), Henry Selick/Tim Burton

Férias

2006-07-28T13:17:00.000+01:00

Este blog volta a estar activo em Setembro.
Boas Férias a todos!

“Les filles du botaniste/As filhas do botânico” (2006), Sijie Dai

2006-07-19T22:06:00.000+01:00

Flores selvagens

Min (Mylène Jampanoi) é uma jovem órfã que é enviada como estagiária para casa de um famoso e rígido botânico.
Inesperadamente, entre Min e An (Xiao Ran Li), a filha do mestre, surge uma cumplicidade que acaba por se transformar numa paixão proibida.

Com a contemplação e serenidade típicas do cinema asiático, “As filhas do Botânico” é um verdadeiro deleite a nível visual pois a fotografia do filme é, sem dúvida, belíssima.
Retratando um tema tabu para a sociedade e época em que o filme decorre (China dos anos 80), esta história de amor entre duas jovens é uma prova de como existem filmes genuínos e delicados sobre o amor homossexual para além de “Brokeback Mountain”.

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“Happy endings” (2006), Don Roos

2006-07-16T21:53:00.000+01:00

He thinks you're the American hero, making depressed women everywhere feel good.

Seguindo a mesma escola que “Magnolia” de Paul Thomas Anderson, “Happy endings” é constituído por um mosaico de três histórias e dez personagens que acabam por se interligar.

Mamie (Lisa Kudrow) teve na adolescência um filho do seu meio-irmão Charlie (Steve Coogan) e deu-o para adopção. Anos mais tarde, Mamie é chantageada por um pretendente a realizador que ambiciona fazer um documentário com o encontro entre Mamie e o filho.
Chalie, por sua vez, vive com Gil (David Sutcliffe) que doou o seu esperma a um casal de lésbicas suas amigas que acabam por ter um bebé. Apesar de negarem que o filho seja realmente de Gil, Charlie encontra semelhanças entre os dois e convence o namorado de que Max, o bebé, é dele.
Jude (Maggie Gyllenhaal) passa uma noite com Otis (Jason Ritter), um jovem homossexual não assumido. No entanto, quando conhece Frank (Tom Arnold), o pai deste, Jude decide envolver-se com ele uma vez que pretende tornar-se rica.

Com um vasto painel de personagens e tramas, “Happy endings” é um filme complexo que exige muita atenção por parte do espectador para uma compreensão eficaz.
Estas três histórias sobre o amor, desconfiança, família e ambição têm um travo cómico, ao mesmo tempo que em certas ocasiões conseguem ser também dramáticas.

O elenco é irrepreensível, onde se destacam MaggieGyllenhaal, Lisa Kudrow, Steve Coogan e Tom Arnold.
“Happy Endings” é constituído por três retratos de três vivências diferentes, que se por se confluem em acasos e coincidências, tal como na vida real.

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Cena Clássica #2

2006-07-13T11:39:00.000+01:00

Lost in Translation (2003), Sofia Coppola

“Me and you and everyone we know” (2006), Miranda July

2006-07-11T10:53:00.000+01:00

If you really love me, let's make a vow - right here, together... right now.

Miranda July, artista plástica e performer, estreia-se nas lides cinematográficas com “Me and you and everyone we know”, uma primeira obra verdadeiramente surpreendente pela subtileza e doçura com que é filmada.

Richard (John Hawkes), pai de dois filhos, é um divorciado que procura que aconteçam coisas extraordinárias na sua vida.
Christine (Miranda July) é uma taxista de idosos que nos tempos livres se dedica a criar projectos artísticos nos quais mistura a sua própria vida com a arte que produz.
Um dia Christine leva um cliente até à sapataria onde Richard trabalha e entre os dois surge logo uma empatia, apesar de Richard tentar evitar um pouco as investidas de Christine.

Com um subúrbio de uma qualquer cidade americana como cenário, “Me and you and everyone we know” tinha tudo para ser uma obra banal mas felizmente Miranda July conseguiu inverter por completo essa situação.
July filma os devaneios artísticos da sua personagem (claramente inspirada nela própria), a fragilidade emocional de Richard, as descobertas sexuais do filho mais velho e das colegas de escola, a ingenuidade comovente do filho mais novo quando se envolve num romance via internet e os sonhos da jovem vizinha que vai coleccionando peças para o seu enxoval, com uma delicadeza e sentido estético por vezes tocante.

“Me and you and everyone we know” é um filme para se ver com o espírito aberto e pronto para receber uma amálgama de sensações. Há beleza nas imagens, na música que acompanha o filme e nas próprias situações que se vão desenvolvendo.
Por vezes insólito, este filme não deve passar despercebido aos amantes do bom cinema independente.

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“Collected” (2006), Massive Attack

2006-07-05T22:45:00.000+01:00

Uma década a coleccionar grandes músicas

Os Massive Attack, em conjunto com os Portishead e Tricky, são um dos grandes nomes do trip-hop, género musical que surgiu em Bristol nos anos 90.
A importância da banda inglesa no panorama musical ficou marcada desde o primeiro álbum, “Blue Lines”, que data de 1991.
Neste disco e nas restantes obras dos Massive Attack, as sonoridades obscuras que se completam com as electrónicas, música soul e hip-hop, vieram marcar a diferença e completar um espaço da música que até aí não existia. Os Massive Attack, tal como outras bandas mais tarde, deram voz a um estilo alternativo permeado por colaborações com vários artistas de diversas áreas, nomeadamente do reggae, pop e soul (Elizabeth Fraser, Horace Andy, Sinead O´Connor, Tricky e, mais recentemente, Terry Callier são apenas alguns dos músicos que já colaboraram ou ainda colaboram com os Massive Attack).

Com um repertório de músicas do mais alto calibre, foi com certeza difícil para a banda escolher apenas alguns temas para inserir neste primeiro best-of, composto por dois discos áudio e um DVD com todos os videoclips.
No primeiro disco de “Collected”, podemos encontrar os grandes êxitos dos Massive Attack, como “Teardrop”, “Protection”, “Unfinished sympathy”, “Karmacoma” e o mais recente e assombroso single “Live with me”.
O segundo disco é composto por alguns b-sides e raridades da banda, como a colaboração com Madonna em “I want you”, a novidade “False flags” ou o ingresso menos feliz pelos terrenos das bandas sonoras, com o tema “Danny the dog”, inserido no filme com o mesmo nome.
O DVD contém a videografia completa da banda, na qual se inserem os fabulosos “Protection”, realizado por Michel Gondry (“Eternal Sunshine of a Spotless Mind”), “Karmacoma”, realizado por Jonathan Glazer (“Birth”) e “Angel” de Walter Stern.

“Collected” é uma obra essencial para qualquer apreciador de música. Ao longo dos dois discos e do DVD, percorrem-se os cinco álbuns de uma das bandas mais criativas e originais dos nossos tempos. Os Massive Attack são, sem dúvida alguma, um dos grandes nomes da música moderna. Agora é esperar ansiosamente por este Sábado para comprovar ao vivo o valor desta colectânea.

10/10

“Samaria/Samaritana” (2004), Kim-Kid-Duk

2006-07-03T22:06:00.000+01:00

Cheia de graça

O ano passado estreou discretamente nas nossas salas uma das mais belas histórias de amor a que assisti nos últimos anos: "Ferro 3/Bin-jip". Este foi o primeiro filme que vi do cineasta sul coreano Kim-Kid-Duk e posso dizer que fiquei fã da sua forma contemplativa e serena de filmar.
Chega agora até nós “Samaria”, filme que data de 2004 e que ganhou o Prémio de Melhor Realização no Festival Internacional de Cinema de Berlim.

Jae-Young (Yeo-reum Han) é uma adolescente que se prostitui com o fim de arranjar dinheiro para ela e a sua melhor amiga viajarem até à Europa. A amiga, Yeo-Jin (Ji-min Kwak), marca os encontros com os clientes e alerta a sua amiga quando esta corre perigo de ser descoberta.
Mas um dia Yeo-Jin distrai-se e Jae-Young é surpreendida pela polícia quando está com um cliente. Apavorada, a jovem atira-se da janela e acaba por morrer no hospital.
Sentindo-se culpada pela morte da melhor amiga, Yeo-jin decide encontrar todos os clientes com quem Jae-Young teve relações e devolve-lhes o dinheiro que ambas tinham conseguido juntar.

“Samaria” é um filme sobre redenção e catarse. Yeo-jin, pretende penitenciar-se da morte da amiga e assim vai percorrer o mesmo caminho que ela. Ao dormir com todos os homens que foram clientes de Jae-Young e ao restituir-lhes o dinheiro, a adolescente sente que, de certa forma, está a redimir-se e a livrar-se da imensa culpa que a assola.
Também surge a figura do pai de Jae-Young que acaba por descobrir que a filha se prostitui. Sem nunca a encarar com o facto de saber o que ela faz, o pai segue os seus clientes e procura vingar-se pelas próprias mãos.

“Samaria” é um belíssimo filme que, tal como “Ferro 3/Bin-Jip”, é engrandecido pela força ascética das imagens.

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“The squid and the whale” (2006), Noah Baumbach

2006-06-30T21:32:00.000+01:00

It's like... we were pals then... we'd do things together... we'd look at the knight armor at the Met. The scary fish at the Natural History Museum. I was always afraid of the squid and whale fighting. I can only look at it with my hands in front of my face.

A acção de “The squid and the whale” decorre nos anos 80, no seio de uma família disfuncional com dois filhos que recebem dos pais a notícia do seu divórcio.
Joan (Laura Linney) e Bernard (Jeff Daniels) são os pais, ambos escritores, mas um em proeminente ascensão de carreira (ela) enquanto o outro enfrenta o esquecimento por parte do público e das editoras (ele). Walt (Jesse Eisenberg) e Frank (Owen Kline) são os filhos adolescentes que, ao receberem a notícia do divórcio dos pais, têm que mudar o plano das suas vidas que passam a estar divididas entre a companhia do pai e da mãe.

Noah Baumbach é mais um dos jovens cineastas e argumentistas da nova geração indie norte-americana que nesta obra retrata as suas próprias memórias enquanto adolescente “sufocado” entre o divórcio dos pais intelectuais.

O tom de “The squid and the whale” varia entre a comédia e o drama familiar e pessoal das personagens, o que é sem dúvida uma mais valia que lembra alguns filmes de Woody Allen.
A imagem inundada de grão é outro pormenor que, apesar de bastante simples, nos remete logo para uma década anterior.
Tanto como Laura Linney como Jeff Daniels têm interpretações bastante boas, bem como os jovens actores que interpretam os filhos do casal.

“The squid and the whale” é um filme comovente, divertido e sensível que, apesar de ser “apenas” uma história sobre as relações familiares e as crises/dúvidas da adolescência, consegue ser muito mais do que isso.
Uma verdadeira surpresa de um realizador a ter em conta no futuro.

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Cena Clássica #1

2006-06-27T18:28:00.000+01:00

Blow-up (1966), Michelangelo Antonioni

Cenas Clássicas

2006-06-26T23:00:00.000+01:00

Vou iniciar uma nova "rúbrica" no meu blogue: uma vez por mês vou mostrar uma imagem de um filme, imagem essa que por qualquer razão é clássica para mim (quer seja pela sua beleza ou apenas pelo significado). Desde filmes mais antigos, passando pelos que vi recentemente!

“Hard Candy” (2006), David Slade

2006-06-17T22:52:00.000+01:00

Quem tem medo do capuchinho vermelho?

Hayley (Ellen Page) é uma adolescente de catorze anos que, através da Internet, conhece Jeff (Patrick Wilson), um fotógrafo de trinta e poucos anos. Os dois combinam encontrar-se num café e, após várias trocas de olhares e gestos, Jeff convida a rapariga para ir até sua casa.
Depois de oferecer umas bebidas misturadas por si que levam a que Jeff fique inconsciente, Hayley prepara a sua vingança que tem como propósito descobrir o passado do fotógrafo.

O tema da pedofilia, tema este infelizmente tão em voga nos dias que correm, foi muito bem trabalhado pelo argumentista e pelo realizador que pretenderam fazer um filme diferente e inesperado.

“Hard Candy” nunca é aquilo que aparenta ser e o espectador muitas vezes não sabe de que lado se há-de colocar. Afinal a vítima é a adolescente astuta ou o presumível pedófilo? Acabamos por nunca ter a certeza pois também as verdadeiras intenções de Jeff para com Hayley permanecem num mistério.
O mais espantoso do filme é tratar-se mesmo de uma inversão de papéis: aqui a vítima não é a adolescente indefesa mas sim o pedófilo. A vingança que Hayley prepara é em nome de todas as vítimas que, supostamente, sofreram nas mãos de Jeff.

“Hard Candy”, filme que esteve presente no Festival de Sundance deste ano, vive sobretudo da interpretação dos dois actores e do espaço (pequeno) onde a acção se desenrola.
A utilização e escolha das cores (vermelho, cinzento e amarelo), a decoração minimalista e moderna do apartamento (local onde quase todo o filme é passado) e as bruscas mudanças de plano, são elementos estilísticos que saltam, e muito, à vista, ou não fosse o realizador especializado na área dos videoclips.

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“Le temps qui reste” (2006), François Ozon

2006-06-12T22:22:00.000+01:00

O tempo que acaba

Romain (Melvil Poupaud) é um bem sucedido fotógrafo de moda que de repente vê a sua vida estável e em franca ascensão dar uma reviravolta: um cancro em fase terminal é-lhe diagnosticado. O médico prevê apenas três meses de vida para Romain que, nesse espaço de tempo, vai render-se ao inevitável fim prévio da sua existência.

Conhecido principalmente após a obra “8 Femmes”, François Ozon é daqueles realizadores que muda de estilo e temática em cada filme que faz.
Em “Le temps qui reste”, Ozon concentrou-se no tema da morte e nas consequências devastadoras que isso trás à pessoa que vê a sua vida acabar antes do tempo.

A personagem central do filme é um jovem que tinha tudo: uma boa casa, um emprego promissor, uma relação amorosa estável…mas de que lhe serve isso tudo quando descobre que sofre de uma doença que lhe permite viver apenas por mais uns meses?
Romain, após conhecer o seu fatal diagnóstico, não faz grandes planos para desfrutar esses meses que lhe restam. Muito pelo contrário, ele pretende apenas saborear alguns prazeres simples de forma a despedir-se da vida: uma visita à sua avó (a única que sabe da sua doença), um último encontro com o namorado, um “favor” que faz a uma mulher que pretende engravidar…assim são os últimos dias de Romain.

A entrega total de Melvil Poupaud à sua personagem é bem visível. A transformação que se vai operando em Romain não é só perceptível a nível físico mas também a visualizamos através da amargura e fragilidade sentimental, que vai sofrendo dia após dia.
“Le temps qui rest” é uma das melhores obras estreadas este ano em Portugal, com um tema bastante delicado e dramático como só a morte antes do tempo pode ser.

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Super Bock Super Rock – Act II 7 Junho

2006-06-09T22:26:00.000+01:00

A consagração dos arquiduques

Ainda estava um sol radioso quando os Editors entraram em palco. A imagem negra e algo gótica que tínhamos da banda (concebida pelo imaginário das suas músicas e vídeos) desaba por completo quando o concerto inicia. Em palco estão quatro rapazes vestidos como qualquer jovem, simpáticos e prontos para dar início a um concerto para uma plateia não muito completa. A certa altura o vocalista confessa estar espantado por nós, audiência, conhecermos tão bem as músicas da banda, especialmente os singles. Numa actuação não muito longa, tivemos direito a uma música inédita, a uma cover da “Road to nowhere” dos Talking Heads e a actuações enérgicas de grande parte do álbum de estreia, “The Back Room”. Para uma banda com ainda pouca experiência nos palcos, os Editors saíram-se muito bem e revelaram ser bastante profissionais e entusiasmantes.

Depois do concerto dos dEUS que me passou ao lado e de uns The Cult completamente desenquadrados do perfil da noite, subiram ao palco os Keane, banda pela qual nutro uma certa simpatia. O concerto começou bem e animado mas após umas quatro músicas a monotonia instalou-se. Em vez de apostarem nas músicas mais “festivaleiras”, o alinhamento dos Keane tinha inúmeros momentos calmos demais para o tipo de evento, o que levou a um certo desinteresse por parte do público.

Por volta da uma da manhã entraram em palco a banda por quem todos esperávamos. Com “This boy” os Franz Ferdinand iniciaram o seu grandioso concerto, onde não faltaram os grandes êxitos como “Take me out”, “Michael”, “Do you want to”, “The Fallen”, “Walk away” e, a encerrar uma hora e meia de puro êxtase, “This Fire”.
A glorificação da banda escocesa estava feita: o público rendeu-se por completo à energia contagiante dos arquiduques. Pulos, palmas e gritos eufóricos foram elementos que não faltaram neste concerto que fechou em grande o primeiro dia do Act II do Festival.

No Palco Quinta dos Portugueses não se pode dizer que houve um “grande” concerto. Os que chamaram mais a atenção do público foram os Linda Martini, com os seus instrumentais longos de mais, e Legendary Tiger Man que estava na posição algo ingrata de ser o antecessor dos Franz Ferdinand, por quem o público tanto ansiava.

Os pontos altos da noite foram mesmo o primeiro e o último concerto: a boa revelação que foram os Editors (que esperamos que voltem brevemente e de preferência para um concerto de noite e com mais público) e a consagração dos Franz Ferdinand.

“The Da Vinci Code” (2006), Ron Howard

2006-06-04T21:45:00.000+01:00

You are the secret.

O livro “O Código Da Vinci” do norte-americano Dan Brown é, muito provavelmente, o livro mais falado dos últimos tempos. Era inevitável que este bestseller mundial fosse adaptado ao cinema e se transformasse num gigantesco êxito de bilheteiras.
O enorme sucesso do livro e, consequentemente, do filme, reside no facto do alto teor polémico e controverso que levanta, principalmente a nível religioso.

O filme começa com a descoberta da morte do curador do Museu do Louvre que deixa inúmeras pistas sobre quem o assassinou. Estas pistas vão apontar para uma organização religiosa (a Opus Dei) que pretende a todo o custo fazer vigorar os dogmas da Igreja Católica, tais como os conhecemos hoje.
Robert Langdon (Tom Hanks), um perito em simbologia, e a agente policial Sophie Neveue (Audrey Tautou) vão em busca da verdade enquanto são perseguidos pela polícia francesa e por Silas (Paul Bettany), um enviado da seita tal católica.

Claro que “The Da Vinci Code” não é um filme exemplar mas nem era esse o seu propósito. Apesar da enorme vaga de péssimas criticas que tem recebido (especialmente no Festival de Cannes), este filme é uma aceitável adaptação do livro de Dan Brown. Claro que inúmeros pormenores ficaram de fora e isso sente-se especialmente no tom apressado em que o filme corre, mas “The Da Vinci Code” consegue captar a atenção do espectador e ser um bom exemplo de um blockbuster.
Nas interpretações destacam-se, sem dúvida, Ian McKellen e Paul Bettany.

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Há 80 anos atrás...

2006-06-01T23:14:00.000+01:00

...nascia Norma Jean Baker, mais conhecida como Marilyn Monroe

Ready to confess?

2006-05-22T23:02:00.000+01:00

Madonna no concerto de abertura da sua nova tour.

“Wassup Rockers” (2006), Larry Clark

2006-05-21T11:42:00.000+01:00

O punk no sangue e o skate na mão

O ano passado estreou “Rize”, um documentário de David LaCahapelle que retrata o “krumping” e o “clowning”, duas novas formas de dança que surgiram nos subúrbios pobres de Los Angeles. A música de fundo era o hip-hop.
Esta semana estreia entre nós o novo filme de Larry Clark (também ele fotógrafo) que, tal como “Rize”, tem como cenário os mesmos subúrbios. Mas em “Wassup Rockers” o pano de fundo é o universo punk e skate.

Larry Clark é o realizador por excelência quando se fala em filmes polémicos sobre a juventude perdida e sem perspectivas futuras. “Kids” (1995), “Bully” (2001) e “Ken Park” (2002) são provas disso mesmo, filmes por onde desfilam adolescentes problemáticos que procuram no sexo, nas drogas e na criminalidade meios para tornar as suas vidas excitantes.

“Wassup Rockers” vai também ao encontro dessas temáticas, um pouco que mais atenuadas.
Neste filme encontramos um grupo de adolescentes hispânicos, fãs do skate e do punk e que, por isso mesmo, são ridicularizados no seu bairro onde a cultura hip-hop impera.
Sem se importarem com o que os outros miúdos pensam deles, estes “rockers” divertem-se a andar de skate, a vestirem-se e a pentearem-se como os Ramones e a ouvir punk rock.
O quotidiano destes rapazes vai ser drasticamente agitado quando decidem aventurar-se no universo rico e chique de Beverly Hills.

Com um realismo e crueza que já são típicos dos trabalhos anteriores de Larry Clark, “Wassup Rockers” é um retrato bastante fiel deste grupo de miúdos que se destaca no meio dos outros. No entanto, o filme perde alguma credibilidade em uma ou duas cenas patéticas que nada acrescentam ao desenrolar da trama.

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“Drawing Restraint 9” (2006), Matthew Barney

2006-05-10T23:18:00.000+01:00

Rituais de Entrega

Matthew Barney, escultor e artista plástico, inspirou-se nas tradições ancestrais dos casamentos japoneses para este novo filme.
A bordo do baleeiro japonês “Nisshin Maru”, dois ocidentais (o próprio Matthew Barney e a cantora islandesa Björk) são iniciados nos rituais dos casamentos Shinto, nomeadamente com as suas vestes e comportamentos.
Ao mesmo tempo que se preparam para consumar a entrega dos corpos, uma escultura feita com gordura animal que se encontra no convés é destruída devido a uma tempestade. O líquido rapidamente começa a alastrar e vai ao encontro dos dois amantes, envolvendo-os por completo e permitindo que neles se operem grandes transformações.

Com uma banda-sonora composta por Björk, “Drawing Restraint 9” é um objecto difícil de classificar por se tratar de um “filme” onde apenas a beleza visual e musical interessam. Não existe praticamente argumento, as personagens não mostram qualquer sentimento e o surrealismo acompanha grande parte das cenas.

Apesar de por vezes ser imperceptível, “Drawing Restraint 9” é esteticamente belíssimo e é impossível não ficar fascinado com todos os rituais que vamos acompanhando.
Toda a cena da mutilação e entrega dos corpos entre Barney e Björk é, ao mesmo tempo, perturbante e magnetizante por toda a estranheza e simbolismo que nela estão representados.

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“L´Enfant” (2005), Jean-Pierre Dardenne/Luc Dardenne

2006-05-06T22:37:00.000+01:00

Dores do crescimento

Bruno (Jérémie Renier) é um jovem sem grandes ambições que efectua pequenos roubos para conseguir sustentar-se a si e à sua namorada que acaba de dar à luz.
Como jovem inconsequente que é e sem carácter para aguentar as responsabilidades da paternidade, Bruno pretende vender o bebé a troco de uma grande quantia de dinheiro. Quando Sonia (Déborah François) descobre o sucedido fica tão chocada que acaba por dar entrada no hospital. Bruno procura recuperar a criança mas descobre que existem certos negócios em que não se pode voltar atrás.

“L´Enfant” é uma obra bastante realista, quer pela frieza com que um delicado tema como este é retratado, quer pela própria maneira de filmar dos irmãos Dardenne, que optaram por não embelezar as paisagens nem adicionar qualquer música.

Neste filme acompanhamos o crescimento interior de Bruno, um jovem que no início prima os seus comportamentos pela irresponsabilidade e inconsciência e que recusa pensar na vida em termos futuros, apenas se preocupando com o que obtém por satisfação imediata.
Com os acontecimentos que se vão desenvolvendo na sua vida, Bruno muda drasticamente a sua forma de agir: cresce verdadeiramente e torna-se adulto.

A evolução da personagem interpretada por Jéremie Renier é, sem dúvida, o foco principal de “L´Enfant”.
A própria transformação que vemos em Bruno é sinal do fortíssimo desempenho do actor belga que, auxiliado pela estreante Déborah François, formam uma dupla de interpretações perfeitas.

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Porque dia 29 de Abril foi o Dia Mundial da Dança...

2006-05-02T10:39:00.000+01:00

...escolhi uma fotografia do meu bailado favorito: Apollo de George Balanchine

“Lisboetas” (2004), Sérgio Trefaut

2006-04-30T21:49:00.000+01:00

“Lisboetas” de Sérgio Trefaut ganhou o Prémio de Melhor Filme Português na primeira edição do IndieLisboa.
Mais do que um filme sobre a estranheza e desconforto de ter que partir para longe da família e do país natal, “Lisboetas” é um olhar sociológico sobre as verdadeiras realidades com que os imigrantes se deparam quando chegam ao nosso país.

Este documentário retrata a vida e as dificuldades de imigrantes de diversos países (Brasil, Ucrânia, Moldávia, China, Índia, Angola, etc.) que procuram no nosso país uma vida melhor.
Arranjar trabalho, aprender uma língua e uma cultura completamente diversa e, principalmente, sobreviver num país longínquo são os obstáculos que todos os imigrantes encontram. Em “Lisboetas” a câmara segue os passos de vários destes imigrantes que procuram na nossa capital ganhar o seu sustento e, de alguma maneira, sentirem-se como verdadeiros lisboetas.

Este documentário mostra-nos como estas pessoas por vezes diferentes de nós e que vemos todos os dias, são cidadãos lisboetas tão legítimos como aqueles que nasceram na capital: eles são importantes alicerces (muitas vezes explorados) para Lisboa ser a cidade que é.

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“The ice harvest” (2006), Harold Hamis

2006-04-25T12:00:00.000+01:00

He actually threatened to shoot Gladys if I did't tell him where the money was. But I think he was counting on a level of commitment and affection between her and me that just simply wasn't there.

Charlie (John Cusack) e Vic (Billy Bob Thornton) são dois advogados que planeiam roubar 2,15 milhões de dólares ao patrão na véspera de Natal. Pretendem fugir da sua cidade, Wichita, mas a fuga é adiada para o dia seguinte por causa de uma tempestade de gelo. Entretanto Charlie faz planos com a femme fatale Renata (Connie Nielsen), por quem está apaixonado, para ela partir com ele.

“The ice harvest” vai buscar todo o imaginário dos filmes noir mas fica-se apenas pelas boas intenções: na prática é um filme aborrecido, um tanto confuso, com um argumento banal que nunca chega a cativar.
John Cusack, um actor que já nos habituou à sua entrega total em papéis de “pessoas normais”, e algumas piadas de humor negro são as melhores coisas deste filme.
A prestação de Cusack como advogado de um mafioso apaga quase por completo todas as outras personagens do filme, nomeadamente a de Billy Bob Thornton que passa completamente despercebido.

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“Inside man” (2006), Spike Lee

2006-04-21T22:20:00.000+01:00

My name is Dalton Russell. Pay strict attention to what I say because I choose my words carefully and I never repeat myself.

Spike Lee é considerado como um dos mais criativos e políticos realizadores americanos. Depois de realizar um dos grandes filmes dos últimos tempos, “25th hour”, o ano passado não parece ter corrido assim tão bem a Lee uma vez que a sua obra “She hate me” tenha ficado para muita gente apenas marcada pela premissa interessante.
O novo filme de Spike Lee parece fazer esquecer um pouco a mediania do filme anterior.

Um grupo planeia um assalto perfeito a um importante banco de Nova Iorque. Os inúmeros reféns são obrigados a vestirem-se tal como os ladrões, liderados por Dalton Russel (Clive Owen), para criarem a confusão entre quem é culpado e quem é inocente.
O Detective Keith Frazier (Denzel Washington) é nomeado para negociar com os assaltantes e garantir que estes não matam nenhum refém enquanto o director geral do banco (Christopher Plummer) contrata Madeline White (Jodie Foster) para esta assegurar que um segredo seu que está dentro de um dos cofres não seja revelado.

“Inside Man” é grandioso pela maneira energética com que é filmado e por abordar os temas que são tão característicos de Spike Lee: as tensões sociais e raciais numa América que é uma mistura complexa de inúmeras identidades.
Marcadamente mais mainstream do que as anteriores obras do realizador, “Inside Man” consegue ser um grande filme de puro entretenimento mas ao mesmo tempo ser inteligente e ter substância.
Com um trio de actores do mais alto calibre, o filme vai desenrolando-se a uma velocidade alucinante deixando o espectador com enorme expectativa quanto ao desenvolvimento da trama.
Os diálogos bastante políticos e com algum humor inteligente à mistura são também umas das boas características de “Inside Man”, bem como o argumento imprevisível e surpreendente.

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O lago dos cisnes

2006-04-19T12:40:00.000+01:00

Swans reflecting elephants (1937), Salvador Dalí

“Basic Instinct 2” (2006), Michael Caton-Jones

2006-04-17T21:21:00.000+01:00

Instintos do mais básico que há

A sedutora Catherine Tramell faz já parte do imaginário (principalmente masculino) cinematográfico. O seu descruzar de pernas enquanto estava a ser interrogada no filme “Basic Instinct” de 1992 tornou-se uma das mais famosas cenas do cinema não só pela carga erótica que carrega mas também por ser uma cena onde o papel manipulador e controlador ser de uma mulher. Sharon Stone transformou-se numa estrela com essa personagem e nunca mais conseguiu livrar-se da pele de femme fatale.
Faz sentido fazer uma sequela do thriller mais famoso do mundo? A resposta é definitivamente não após visionarmos “Basic Instinct 2”.

Catherine Tramell (Sharon Stone), a popular escritora de policiais eróticos, é suspeita de ter morto o seu namorado, um famoso desportista.
O psiquiatra Michael Glass (David Morrissey) fica responsável pela avaliação daquela misteriosa e aliciante mulher. Entre ambos há, desde logo, uma intensa atracção. Michael deixa-se seduzir por Catherine que o envolve num jogo de mentiras, sexo e morte. Mas a questão que se coloca é: será que é Catherine que manipula Michael ou é o contrário que se passa?

“Basic Instinct 2” tem um argumento bastante fraco apesar de dar ares de ser muito rebuscado. As falas de teor sexual que acompanham o filme todo são, muitas vezes, ridículas e despropositadas enquanto que o actor principal, David Morrissey, consegue a proeza de ser um mero boneco ao não exprimir qualquer sentimento.
Os ambientes sofisticados, principalmente a casa de Catherine e o consultório de Glass, são os pontos mais favoráveis desta sequela tão básica.

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“La tigre e la neve” (2006), Roberto Benigni

2006-04-12T12:45:00.000+01:00

A vida é outra vez bela

Em 1997 Roberto Benigni comoveu o mundo inteiro com o seu filme “La vita è bella”, uma intensa e emocionante história de amor durante a Segunda Guerra Mundial.
Com “La tigre e la neve” Benigni vai buscar de novo esse imaginário com cenário bélico, desta vez a Guerra do Iraque, para nos contar uma história onde o amor é, mais uma vez, o grande impulsionador dos actos humanos.

Attilio (Roberto Benigni) é um poeta e professor universitário que sonha encontrar a mulher ideal. Através do seu amigo Fuad (Jean Reno), um poeta iraquiano, Attilio conhece Vittoria (Nicoletta Braschi) e apaixona-se perdidamente por ela. Apesar dos esforços do poeta, Vittoria permanece indiferente às suas desajeitadas investidas amorosas.
Quando recebe a notícia de que Vittoria se encontra num hospital em Bagdad após ter sido vítima de um bombardeamento, Attilio parte imediatamente para a capital iraquiana para salvar a sua amada.

Como já referi, “La tigre e la neve” tem algumas semelhanças com “La vita è bella” principalmente por se tratar de uma história de um homem que comete as maiores loucuras para ir ao encontro do seu grande amor. Os campos de concentração da Segunda Guerra Mundial são neste filme substituídos por um hospital sem quaisquer condições em Bagdad, durante a Guerra do Iraque em 2003.

“La tigre e la neve” não consegue superar a obra-prima de Benigni pois está muito colada a ela mas, no entanto, consegue ser um filme bastante bonito e humano, onde as peripécias deste homem nos fazem rir ao mesmo tempo que nos comovemos com a sua entrega incansável ao amor.

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“Show your bones” (2006), Yeah Yeah Yeahs

2006-04-09T20:07:00.000+01:00

Música de carne e osso

Apanhando a onda sonora dos The Strokes, os nova-iorquinos Yeah Yeah Yeahs começaram a dar nas vistas por volta de 2000, quando eram ainda uma banda de suporte de artistas como os White Stripes ou Jon Spencer Blues Explosion.
Depois de dois EP´s (“Yeah Yeah Yeahs” e “Machine”), a banda lançou em 2003 o seu primeiro álbum: “Fever to tell” é um elogio às guitarradas e à pujança punk repleta de uma agressiva sexualidade.
Neste primeiro trabalho, a banda liderada pela carismática Karen O conseguiu ir buscar o revivalismo pós-punk e juntar-lhe a sujidade e aspereza do rock de garagem.
Mas porque será que esta banda, aparentemente igual às milhares que andam por aí neste momento, conseguiu fazer uma obra-prima logo no primeiro álbum?
A resposta reside no facto de “Fever to tell” ser um dos álbuns mais enérgicos e contagiantes dos últimos anos, onde não nos cansamos de escutar aquelas músicas que transpiram rock e sexo por todos os lados e onde a voz pouco trabalhada de Karen O se conjuga na perfeição com as melodias ainda por limar. Este álbum é um manifesto genuíno ao puro rock.

Após três anos desse fantástico “Fever to tell”, os Yeah Yeah Yeahs regressam com “Show your bones”, um álbum mais calmo e adulto.
Aqui, a voz de Karen O está notoriamente mais controlada e o som da banda surge mais límpido e trabalhado. As temáticas de “Show your bones” já não são tão explicitamente sexuais e as melodias, outrora agressivas, ganham mais doçura e serenidade (em “Dudley” ou “Sweets”, por exemplo).
Mas não se pense que não vamos encontrar em “Show your bones” canções de puro rock e pós-punk: o primeiro single “Gold Lion”, “Way Out”, “Phenomena” ou “Mysteries” são uma boa prova de como os Yeah Yeah Yeahs deixam bem marcado, mais uma vez, o estilo que tanto os caracteriza.

9/10

“Breakfast on Pluto” (2006), Neil Jordan

2006-04-05T11:39:00.000+01:00

Not many people can take the tale of Patrick Braden, aka St. Kitten, who strutted the catwalks, face lit by a halo of flashbulbs as "oh!" she shrieks, "I told you, from my best side darlings."

Irlanda, anos 70. Abandonado à nascença na porta de uma igreja, Patrick "Kitten" Braden (Cillian Murphy) desde cedo se apercebe que é diferente dos outros rapazes. Não se sente bem no seu corpo masculino mas não deixa que ninguém mude a sua maneira de ser tão peculiar, tão cheia de fantasia e sonho.
Com a intenção de procurar e conhecer a sua verdadeira mãe, Patrick parte para Londres, a cidade onde vai deambular pelos caminhos da música, prostituição e do ilusionismo. No meio disto tudo, e sem o desejar, Patrick também se vê envolvido no IRA.

“Breakfast on Pluto” é, antes de mais, uma fábula moderna de uma enorme beleza.
Neste filme, a personagem principal é simplesmente encantadora pelo facto de ir em busca dos seus sonhos e pelas ligações tão especiais e profundas que mantém com os seus amigos de infância.
Marcado pelo estilo realista do cinema inglês, “Breakfast on Pluto” é uma fabulosa narração (pelo próprio Kitten que divide a sua história em capítulos) do assumir de uma condição feminina por parte de um homem. Mas apesar de todo este realismo que estar bem presente, aqui encontramos também inúmeras cenas onde é a ilusão e o sonho que comandam (por exemplo na cena genial em que Kitten imagina que está a salvar o mundo com um frasco de perfume).

Neste deambular entre géneros, “Breakfast on Pluto” é sobretudo um retrato de um inadaptado, de alguém que concebe o seu próprio mundo e que parece viver a quilómetros de distância dos outros.
Cillian Murphy é espantoso na sua interpretação do excêntrico Kitten, um ser tão cheio de encanto. O actor entregou-se de corpo e alma a este papel e isso dá para sentir e ver na sua interpretação tão humana e cativante.
O filme também é enriquecido pela fotografia repleta de cores vivas e berrantes, bem ao estilo dos anos 70, pela fantástica banda-sonora que evoca também essa década e pelas interpretações secundárias de Stephen Rea e Liam Nesson.

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“V for Vendetta” (2006), James McTeigue

2006-04-02T20:34:00.000+01:00

Remember, remember, the fifth of November, The gunpowder treason and plot. I know of no reason why the gunpowder treason should ever be forgot.

Baseado na graphic novel com o mesmo nome, “V for Vendetta” retrata uma Grã-Bretanha futurista, com um governo totalitário a lembrar os tempos do nazismo.
V (Hugo Weaving) é um homem que pretende acabar com a opressão e ditadura do seu país e enceta os seus compatriotas a participarem numa revolução.
Este visionário político usa uma máscara com a face de Guy Fawkes, o homem que no dia 5 de Novembro de 1605 pretendeu explodir com o Parlamento inglês.
Inesperadamente, V ganha uma cúmplice: Evey (Natalie Portman) uma jovem que ao conhecer este misterioso homem, vai conhecer-se a si mesma.

Com um ambiente futurista q.b (digo q.b pois é um futuro bastante próximo, onde não há robots nem coisas que tais), “V for Vendetta” alerta-nos para uma situação que pode muito bem vir a repetir-se: a subida ao poder de governantes fascistas que pretendem uniformizar as sociedades. Este conceito lembra (e muito) o livro de Aldous Huxley, Admirável Mundo Novo.

Polémico (será V um terrorista?) e incómodo, “V for Vendetta” é um filme que levanta inúmeras questões sobre o nosso papel no mundo. Devemos ficar passivos à espera que alguns resolvam as coisas ou, tal como V, devemos lutar por um mundo mais justo e livre, mesmo que para isso tenhamos que cometer actos extremistas? Cabe a cada um reflectir sobre este e muitos outros assuntos.

Natalie Portman é muito convincente no papel de Evey, mostrando mais uma vez que é uma jovem actriz para ser levada a sério e com grandes capacidades dramáticas.
Hugo Weaving, apesar de nunca mostrar a cara, também tem um desempenho bastante positivo, repleto de falas poéticas.

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“Casanova” (2006), Lasse Hallström

2006-03-29T11:28:00.000+01:00

I've never sought glory as a lover.

A história do italiano Giacomo Casanova é bastante conhecida por todo o mundo. A vida deste sedutor nato já foi adaptada para o cinema inúmeras vezes mas este filme de Lasse Hallström (o realizador de “Chocolat”e “The cider house rules”) recria um episódio específico da vida do mulherengo veneziano: a sua história de amor com Francesca Bruni (Sienna Miller).

Casanova (Heath Ledger) apaixona-se a sério pela primeira vez quando uma mulher recusa o seu amor. Mestre na sedução, este homem pretende a todo o custo conquistar o coração de Francesca ao mesmo tempo que tenta fugir do Inquisidor Pucci (Jeremy Irons) que o pretende prender por deboche e heresia.

Filme de enganos, desencontros e disfarces, “Casanova” não segue os factos históricos da vida do sedutor. É antes uma paródia aos seus complicados esquemas amorosos.
Este é um filme muito pouco credível e exagerado em muitos aspectos.
O ponto favorável vai mesmo para a escolha acertada de terem filmado em Veneza, o “habitat” natural de Casanova.

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“A history of violence” (2006), David Cronenberg

2006-03-27T23:06:00.000+01:00

In this family, we do not solve problems by hitting people!

Tom Stall (Viggo Mortensen) é proprietário de um café numa tranquila cidade americana no estado do Indiana.
A sua vida pacata na companhia da mulher (excelente Maria Bello) e dos dois filhos muda radicalmente a partir do dia em que o seu café é assaltado e Tom, para defender os seus empregados e clientes, mata brutalmente os dois assaltantes.
Depois deste dramático episódio, torna-se o alvo das atenções dos media e começa a ser apelidado por todos como “herói”.
É então que um misterioso homem surge na pequena cidade e afirma conhecer Tom (ou antes “Joey”) e o seu passado violento e secreto.

Com cenas explicitamente violentas (ou não fosse este filme tratar-se de “uma história de violência”), David Cronenberg filma com grande eficiência as angústias de Tom, um homem que quis deixar para trás o seu passado sangrento e recomeçar uma nova vida com uma identidade diferente.
Mas o passado é algo que não se pode simplesmente apagar e é isso mesmo que Carl Fogarty (Ed Harris), o misterioso homem, pretende elucidar em Tom: por muito que este se tenha tornado num homem honesto, respeitado na sua comunidade e amado pela sua família, a sua vida anterior vai sempre persegui-lo.
Joey vai silenciosamente apoderando-se de Tom, que vai ficando, por isso mesmo, cada vez mais violento.

“A history of violence” é particularmente interessante do ponto de vista de nos ser apresentada uma família ideal e feliz que, no entanto, tem inúmeros mistérios por revelar. Nem tudo se diz, nem tudo se mostra, parece ser a tagline deste filme.

O filme deambula muitas vezes entre a comédia negra e o thriller o que nos deixa sem perceber como reagir em determinadas situações.
A cena final, que para muitos é soberba, pareceu-me puxar para a lágrima fácil, o que não é nada bom.

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“Dançar Kylian, Duato e Bigonzetti”, Companhia Nacional de Bailado

2006-03-24T21:53:00.000Z

Dançar em 3 actos

No meio de um reportório preenchido maioritariamente pelos grandes clássicos do ballet (como “O Quebra Nozes” ou “O Lago dos Cisnes”), a Companhia Nacional de Bailado aposta num espectáculo de dança composto por três peças de coreógrafos modernos: Jirí Kylian, Mauro Bigonzetti e Nacho Duato.

O espectáculo inicia com "Kazimir`s Colours" do coreógrafo italiano Mauro Bigonzetti. Nesta peça que “estabelece um diálogo entre a pintura e a dança", como afirma o seu criador, vemos os bailarinos vestidos de inúmeras cores sempre a entrar e a sair de cena, numa correria reforçada também pela energia dos movimentos e da música.

De seguida é-nos apresentada a coreografia melancólica de Jirí Kylian, “Return to a strange land”. Nesta peça podemos ver belíssimos pas-de-deux e pas-de-trois onde sobressai, sem dúvida, a fantástica Ana Lacerda e o seu corpo esguio e delicado, que se move com uma leveza impressionante.
O mais interessante destas duas coreografias é serem uma junção entre ballet clássico e moderno uma vez que as bailarinas dançam em pontas.

Por último, o Teatro Camões é preenchido por música do século XV e XVI quando começa “Por vos muero” do catalão Nacho Duato. Nesta peça, talvez a que entusiasmou mais o público, o ambiente e o vestuário dos bailarinos fazem lembrar as cortes antigas. Apesar do nome indiciar a ideia de morte, esta é uma coreografia com momentos muito intensos e divertidos.

Recomendo vivamente este espectáculo da Companhia Nacional de Bailado (que pode ser visto até dia 2 de Abril) não só pela qualidade técnica dos bailarinos, mas também pela beleza das coreografias e música.

Massive Attack e Sigur Rós: o regresso a Portugal

2006-03-21T21:32:00.000Z

Depois de terem visitado Portugal no passado mês de Novembro, os Sigur Rós regressam a Lisboa para darem um concerto no dia 16 de Julho no Pavilhão Atlântico.
Quanto aos Massive Attack, vão estar dia 8 Julho também em Lisboa, segundo avança o site oficial da banda.
Duas óptimas notícias para aquecer ainda mais o Verão!

A insustentável leveza do ser

2006-03-18T00:37:00.000Z

Galatea of the Spheres (1952), Salvador Dalí

“Meds” (2006), Placebo

2006-03-13T22:16:00.000Z

Sob medicação

Depois de “dormirem com fantasmas” e de editarem o seu primeiro best of, os Placebo regressam aos álbuns de originais pouco inspirados.
De facto, este novo “Meds” não prima pela originalidade pois parece seguir bem de perto o que a banda fez no anterior “Sleeping with ghosts”.

A carreira dos Placebo, que já conta com 10 anos, foi sempre marcada por uma discografia repleta de óptimas canções onde a voz estridente de Brian Molko é a maior característica, a par das guitarras agudas e ásperas.
Com “Without you I´m nothing” (1998) os Placebo criaram a sua melhor obra onde podemos encontrar os já clássicos “Pure morning”, “You don´t care about us” ou “Every you and every me”.
Seguiu-se o igualmente bom “Black market music” (2000), onde o glam-rock continua a ser o maior ingrediente.

A banda inglesa edita agora o seu quinto álbum de originais, “Meds”, que conta com a participação de VV, dos The Kills, e de Michael Stipe, dos R.E.M.
O álbum começa bastante bem com aquela que é a melhor música, “Meds”, com a participação de VV.
De seguida escutamos as interessantes e bastante agradáveis “Infra-Red”, “Drag”, “Space Monkey” e “In the cold light of the morning”, bons exemplos da qualidade musical dos Placebo.
Após um início prometedor, “Meds” perde-se no meio de inúmeras músicas fracas onde se denota a falta de inspiração da banda que se colou bastante às sonoridades já exploradas no trabalho anterior.
Resta-nos o cativante single “Song to say goodbye” para fechar mais compostamente “Meds”.

6/10

“Prime” (2006), Ben Younger

2006-03-12T11:29:00.000Z

You let me talk to you about his penis?

Rafi (Uma Thurman) é uma mulher nova-iorquina de 37 anos, bem sucedida mas que está a passar por uma fase difícil a nível amoroso: o divórcio.
Conta com a sua terapeuta para lhe aliviar as dores e servir de confidente agora que arranjou um novo namorado muito mais novo. Esta incentiva-a a continuar com a tal relação e acaba por saber todos os pormenores íntimos da mesma.
Os problemas surgem quando Lisa (Meryl Streep), a sua terapeuta, descobre que a nova paixão de Rafi é o seu filho de 23 anos.

A graça deste filme resume-se basicamente à interpretação da fantástica Meryl Streep, que constrói na sua terapeuta/mãe-galinha/judia convicta uma personagem bastante viva, divertida e amargurada pelo desgosto de ver o seu filho a namorar com uma divorciada muito mais velha que é, por acaso, sua paciente.
Uma Thurman também está muito bem e consegue criar com Meryl Streep uma química convincente e muito agradável.

Este é daqueles casos que mais vale não ver o trailer do filme porque tal acaba logo com qualquer surpresa que possa surgir.Em “Prime”, vamos com a expectativa de encontrar uma comédia bastante simpática e competente mas depois percebemos que o trailer, além de ter exposto o interesse principal do filme, tem muito mais piada que este.

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“Coisa Ruim” (2006), Tiago Guedes/Frederico Serra

2006-03-10T22:00:00.000Z

Vens-me buscar Ismael?

Uma família de Lisboa herda uma casa no interior de Portugal e decide mudar completamente de vida ao ir viver para lá.
O que esta família citadina ignora é que a população da aldeia conhece a história daquela casa e todo o mistério e maldições que nela habitam.
As crendices e superstições dos habitantes da aldeia começam a preocupar os pais desta família enquanto os filhos têm visões das três crianças que foram assassinadas pelo antepassado que era dono daquela mansão.

“Coisa Ruim” foi escrito pelo jornalista Rodrigo Guedes de Carvalho que se inspirou nos vários mitos e lendas de um Portugal profundo que, ainda hoje, coabita com cultos religiosos de origem cristã e pagã.
O suspense do filme vive sobretudo daquilo que não é contado explicitamente mas sim pelas pequenas alusões que nos levam a tirar determinadas conclusões.
Não sendo um filme de terror, “Coisa Ruim” procura provocar-nos medo de outras formas: a existência do Diabo em qualquer um de nós é uma das considerações em que se baseia este filme.

"Coisa ruim" é um filme bastante sombrio e onde aquilo que fica por dizer e mostrar mete, definitivamente, mais medo do que aquilo que é apresentado.
Os dois actores principais (Adriano Luz e Manuela Couto) têm um desempenho muitíssimo convincente e emotivo.
Um marco importante no cinema português que não tem ainda grande tradição no género do fantástico.

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“Good night, and good luck” (2006), George Clooney

2006-03-09T11:01:00.000Z

Cassius was right. "The fault, dear Brutus, is not in our stars, but in ourselves." Good night, and good luck.

Nos anos 50, os Estados Unidos da América viveram uma época marcada pela perseguição aos comunistas, mais conhecida como “caça às bruxas”.
Edward R. Murrow (David Strathairn), um jornalista bastante conhecido da cadeia de televisão CBS, pretende informar e elucidar os americanos quanto às políticas pouco democráticas do senador Joseph McCarthy, arriscando-se a sofrer retaliações e queixas por parte dos seus superiores.
O seu programa, antes em horário nobre, é transferido para o turno da tarde mas o efeito gerado pelas suas investigações é bastante positivo uma vez que veio desmascarar os planos anti-comunistas de McCarthy.

Realizado por George Clooney (que também entra no filme e desempenha o papel de produtor de Murrow), “Good night, and good luck” é um retrato fiel de uma época conturbada da história americana, onde a desconfiança, a censura e a insegurança faziam parte do quotidiano.
A opção de ser filmado a preto e branco, onde as sombras/contrastes e o fumo sobressaem, dá um cariz muito real ao filme pois envolve-nos ainda mais naquele período.
Destaque para o excelente leque de actores: David Strathairn, George Clooney, Robert Downey Jr., Patrícia Clarkson, Jeff Daniels, entre outros.

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YESSSSSSSSSSSSSSSS!

2006-03-06T12:31:00.000Z

"Crash" - vencedor do Óscar de Melhor Filme

“Transamerica” (2006), Duncan Tucker

2006-03-05T22:02:00.000Z

My body may be a work-in-progress, but there is nothing wrong with my soul.

Bree (Felicity Huffman) é uma mulher transexual à qual falta apenas a operação final para dar por completa a sua transformação sexual.
Enquanto se prepara para esta nova e importante etapa na sua vida, Bree toma conhecimento que tem um filho delinquente de 17 anos que está preso em Nova Iorque e parte ao seu encontro.
Mãe/Pai e filho iniciam uma viagem de carro de costa a costa americana passando por vários episódios insólitos como a descoberta de Toby (Kevin Zegers) de que aquela senhora que ele julgava pertencer a uma congregação religiosa é afinal um homem, a visita de Bree à sua família que não aceita a sua nova sexualidade e a revelação da verdadeira identidade de Bree como pai de Toby.

“Transamerica” surge sobre a forma de um roadmovie que se desenvolve em pequenas etapas que vão culminar em Los Angeles, onde uma operação espera a protagonista. Mas a operação a que Bree se vai submeter não só lhe mudará o sexo como também lhe trará a felicidade e a aceitação por que tanto anseia.

O humor que pontua certas cenas (principalmente o reencontro de Bree com a sua famíla) é uma mais valia para “Transamerica” ser um filme aparentemente leve apesar de tratar um tema difícil. Este filme não é um mero objecto cómico mas sim uma obra que nos dá que pensar sobre estas pessoas que se vêm desconfortáveis com o sexo com que nasceram.
O realizador Duncan Tucker filmou um verdadeiro transexual sem nunca ridicularizar ou menosprezar estes ser humanos um pouco diferentes dos demais.

Felicity Huffman (notabilizada através da série “Desperate Housewifes”) é encantadora enquanto Bree e merece, mais do que ninguém, ser reconhecida por este papel magnífico.

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Óscares: os favoritos cá do sítio

2006-03-05T11:37:00.000Z

Melhor filme – Crash
Melhor actor principal: Philip Seymour Hoffman (Capote)
Melhor actriz principal: Felicity Huffman (Transameica)
Melhor actor secundário: Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain)
Melhor actriz secundária: Rachel Weisz (The Constant Gardener)
Melhor realizador: Steven Spielberg (Munich)
Melhor argumento original: Match Point (Woody Allen)
Melhor argumento adaptado: Munich
Melhor filme de animação: Corpse Bride

“Capote” (2006), Bennett Miller

2006-03-04T21:56:00.000Z

It's as if Perry and I grew up in the same house. And one day he went out the back door and I went out the front.

Em 1959, o aclamado escritor Truman Capote (Philip Seymour Hoffman) lê a notícia de um assassinato de uma família no Kansas. Interessa-se de imediato por este crime e não lhe chega apenas fazer uma reportagem para a revista New Yorker: Capote pretende escrever um livro onde a realidade dos factos se mantém. Cria assim um novo género literário apelidado de “romance não-ficcional”.
No decorrer da sua investigação, Capote conhece os dois assassinos e tornar-se especialmente íntimo de um deles, Perry Smith (Clifton Collins Jr.), com o qual acaba por sentir inúmeras afinidades.

O que este “Capote” tem de mais interessante é o facto de não ser uma mera biopic mas sim o retrato de uma época específica da vida deste escritor, nomeadamente o tempo de preparação do livro que viria a ser a sua obra-prima.
No filme, o que vemos é todo o processo criativo que esteve por trás de In cold blood e o homem que o escreveu, homem esse que não é caracterizado como um herói cheio de virtudes mas sim como alguém manipulador e insensível.
Para conseguir escrever aquilo que o próprio tinha noção de ser uma grande obra, Capote não olha a meios para atingir os seus fins e torna-se num ser egoísta e calculista.

Philip Seymour Hoffman é arrebatador como Truman Capote, captando todos os tiques e maneirismos do escritor norte-americano. Pela primeira vez, este actor que se notabilizou por inúmeros papéis secundários de qualidade, deu uma prova maior do seu enorme talento que lhe pode muito bem valer um Óscar (é o meu candidato favorito).

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Frida Kahlo no CCB

2006-03-01T22:29:00.000Z

A coluna partida, 1944

Até dia 21 de Maio o Centro Cultural de Belém apresenta uma exposição sobre a vida e obra de Frida Kahlo, a famosa pintora mexicana que teve uma grande importância na arte do século XX.
Nesta exposição podemos contemplar 26 obras de Frida, fotografias de toda a sua vida, fragmentos do seu diário e ainda trajes típicos mexicanos que faziam parte da indumentária da pintora.
É uma exposição muito interessante que nos dá a conhecer um pouco mais sobre a vida solitária desta mulher que transpunha para os seus quadros todas as suas dores (físicas e psicológicas).
Apesar da iluminação não ser a melhor, vale muita a pena ir até ao CCB e descobrir algumas das mais emblemáticas pinturas de Frida Kahlo.

“Va, vis et deviens” (2006), Radu Mihaileanu

2006-02-28T23:31:00.000Z

Êxodo

Em 1984 milhares de judeus etíopes foram levados para Israel com a finalidade de escaparem da fome e miséria que abundava no seu país.
Salomon é enviado pela sua mãe católica a embarcar nesta viagem pois esta é a única maneira do seu filho sobreviver, apesar de ter que mentir sobre a sua crença religiosa e origem.
Chegado a Israel, Salomon passa a chamar-se Schlomo e é adoptado por uma família de esquerda que desconhece a verdadeira religião da criança e a existência da sua mãe.
Ao longo do seu crescimento, Schlomo vive atormentado com o seu passado triste, com a mãe que deixou para trás e com o racismo com o qual acaba por ser vítima. A única esperança deste jovem é um dia poder voltar a ver a sua verdadeira mãe.

“Va, vis et deviens” é uma lição de vida, uma visão da esperança e da determinação de alguém que, para ser salvo, teve que esconder todo um passado.
Mas o crescimento de Schlomo (que acompanhamos em três fases e por três actores diferentes) não reside unicamente no facto de este ter sido enviado para Israel para fugir de um futuro precário quando era ainda uma criança: reside sim em tudo o que ele vai ter de aprender sobre a vida e a sobrevivência no seu novo país. Visto como um intruso e um estranho, este rapaz agarra-se ao seu desejo íntimo de reencontrar a mãe para ganhar as forças necessárias que o vão tornar num ser humano superior.

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Colectânea Massive Attack

2006-02-26T19:15:00.000Z

O tão esperado best of dos Massive Attack é editado dia 27 de Março e a edição especial conta com dois discos (um com os grandes êxitos e outro com as raridades e b-sides) mais um dvd com videografia e alguns temas ao vivo.
O novo e sombrio single da banda de Bristol já pode ser visto e ouvido no blog

Planeta Pop

Aqui fica o alinhamento completo de “Collected”:

Disco 1:
"Safe From Harm"
"Karmacoma"
"Angel""Teardrop"
"Intertia Creeps"
"Protection"
"Butterfly Caught"
"Unfinished Sympathy"
"Risingson"
"Future Proof"
"Five Man Army"
"What Your Soul Sings"
"Sly"
"Live With Me"

Disco 2:
"False Flags"
"Incantations"
"Silent Spring"
"Bullet Boy"
"Black Melt"
"Joy Luck Club"
"Small Time Shoot Em Up"
"I Against I"
"I Want You"
"Danny the Dog"

DVD:
"Daydreaming"
"Unfinished Sympathy"
"Safe From Harm"
"Be Thankful for What You've Got"
"Sly""Protection"
"Karmacoma"
"Risingson"
"Teardrop"
"Angel"
"Inertia Creeps"
"Special Cases"
"Butterfly Caught"
"Live With Me"
"Live With Me" (version 2)
"False Flags"

“Walk the line” (2006), James Mangold

2006-02-25T16:46:00.000Z

The man in black

Numa altura em que as biopics estão definitivamente na moda (“Ray” e “Last Days”, do ano passado, são um bom exemplo disso enquanto já se prepara um filme sobre a vida de Ian Curtis, o mítico vocalista dos Joy Division), é a vez de Johnny Cash ter honras cinematográficas.

“Walk the line” foca 30 anos da vida de Johnny Cash (Joaquin Phoenix), desde a sua infância marcada pela morte do irmão e pela rejeição contínua do pai, à sua ascensão musical. Pelo meio há espaço para a sua bonita história de amor com a também cantora June Carter (Reese Witherspoon) e para os excessos decadentes e comuns de uma estrela rock.

Os grandes trunfos desta biopic são as fantásticas e carismáticas interpretações de Joaquin Phoenix e Reese Witherspoon (ambos nomeados para os Óscares de melhor actor e actriz). Desengane-se quem pensar que os dois fazem playback pois um dos cuidados do realizador foi fazer um filme credível e, para isso, era necessário serem os próprios actores a interpretar as músicas.

“Walk the line” é um filme agradável e interessante pois dá-nos a conhecer um pouco mais da vida deste homem que aliou a música country ao rock&roll.

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“Brokeback Mountain” (2006), Ang Lee

2006-02-22T21:51:00.000Z

Tell you what. The truth is... sometimes I miss you so much I can hardly stand it.

O filme mais falado dos últimos tempos chegou recentemente às nossas salas de cinema e foi com uma altíssima expectativa (alimentada por todos os prémios recebidos e pelas excelentes críticas que tenho lido) que o fui ver.
Apesar de ter gostado, não o achei nenhuma “obra-prima” nem um filme “essencial” como muitos proclamam.
Talvez a polémica gerada em torno da nova obra de Ang Lee seja a grande responsável por toda a euforia que se tem manifestado um pouco por todo o mundo.

Ennis del Mar (Heath Ledger) e Jack Twist (Jake Gyllenhaal) são dois cowboys que no Verão de 1963 vão trabalhar juntos para a isolada Brokeback Mountain como vigilantes de um rebanho.
Inesperadamente (ou não) os dois apaixonam-se e iniciam uma relação proibida que vai ser, por alguns anos, reprimida uma vez que os dois jovens casam-se e constituem família.
A renúncia ao amor vai levá-los a viver toda uma vida de sofrimento e angústias por não poderem assumir perante a sociedade conservadora os fortes laços que os unem.

Uma história de amor desencantada, triste e silenciosa que tem apenas como testemunha a belíssima e agreste paisagem da montanha onde o romance dos dois homens se inicia e desenvolve. De facto, a Brokeback Mountain tem neste filme uma enorme importância pois é o único local onde Ennis e Jack podem assumir e viver em pleno o seu amor.
O olhar sensível com que esta história de amor é tratada é, sem dúvida, tocante e melancolicamente triste.

As comoventes interpretações de Jake Gyllenhaal e, especialmente, de Heath Ledger são o melhor do filme. Por um lado temos um Jack desafiador das convenções sociais, pronto a assumir o seu amor homossexual. Do outro lado encontramos Ennis, um homem de poucas palavras, marcado por uma educação machista e homofóbica, assombrado pelo peso do amor proibido que carrega.

Como já referi anteriormente, “Brokeback Mountain” é um filme tocante e sincero que retrata de forma bastante triste um amor que além de silencioso, é proibido.
Mas a certa altura começa a ser um pouco repetitivo, principalmente nos encontros secretos entre os dois. Também seria interessante Ang Lee ter apostado mais nas duas personagens femininas que interpretam as mulheres dos dois cowboys (Michelle Williams e Anne Hathaway).

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Passado remoto

2006-02-20T20:08:00.000Z

Foto de Júlio Viana

“Munich” (2006), Steven Spielberg

2006-02-16T23:12:00.000Z

We are supposed to be righteous! I lose that, that's my soul!

Jogos Olímpicos de Munique, ano 1972. Um grupo terrorista palestiniano apelidado de “Setembro Negro” invade a cidade olímpica matando dois atletas israelitas e raptando outros nove.
O novo filme de Steven Spielberg relata o que se passou depois do massacre, ou seja, a vingança de Israel.

A primeira-ministra israelita Golda Meir (Lynn Choen) ordena a criação de um grupo de resposta à ofensiva palestiniana.
Avner Kaufman (Eric Bana), um ex-segurança, é solicitado pelos serviços secretos israelitas para chefiar uma missão secreta que visa matar os onze responsáveis pelos ataques em Munique.

“Munich”, muito mais que um thriller político, é um drama interior de um homem. Avner sente-se dividido entre o seu dever à pátria (que o leva a matar) e a simplicidade e pacatez da sua vida familiar com a mulher e a filha recém-nascida.
A angústia deste homem vai crescendo à medida que a sua missão se infiltra mais na sua vida. E sabemos que essa angústia e ansiedade vão viver para sempre no seu interior.

Em tons crus e frios, Steven Spielberg filma com mestria uma obra que não pretende encontrar culpados nem favoritos, mantendo sempre um tom imparcial.
“Munich” é sim um interessante e violento estudo sobre os problemas interiores de um grupo de homens “normais” que, de um dia para o outro, têm que vestir a pele de assassinos. A responsabilidade das mortes que provocam começa a atormentar os espíritos destes homens.
Destaque para o formidável leque de actores entre os quais encontramos Eric Bana (que interpreta magnificamente Avner), Geoffrey Rush, Daniel Craig (o futuro James Bond), Hanns Zischler entre outros.

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Novo single dos Yeah Yeah Yeahs

2006-02-14T12:28:00.000Z

O segundo álbum de originais dos Yeah Yeah Yeahs (uma das minhas bandas de eleição) tem edição marcada para dia 28 de Março. O novo single “Gold lion” marca um renovado e diferente registo da banda. Podem ouvir a música através do link:

http://www.zshare.net/audio/yeah-yeah-yeahs-gold-lion-mp3.html

“Thumbsucker” (2006), Mike Mills

2006-02-12T22:08:00.000Z

Os inadaptados

Inserindo-se naquele estilo que consideramos como cinema independente, “Thumbsucker” descreve-nos a vida de um adolescente de um qualquer subúrbio americano que tem como vício chupar no dedo. Mas este mau hábito é apenas um pretexto que nos conduz para a vida deste jovem inadaptado e para seus problemas existenciais.

Realizador especialista na área dos videoclips musicais e a quem os Air homenagearam numa música do seu álbum “Talkie Walkie”, Mike Mills não teve grande imaginação neste filme.
O argumento por si só, apesar de original e, de certa forma, excêntrico, nunca consegue atingir um patamar que ultrapassa a mediania. Ficamos com a sensação de que Mike Mills pretendia ir muito mais além com este “Thumbsucker” mas que sofreu de uma quebra de criatividade.
No entanto, os seus ingredientes indie e a banda sonora recheada de Elliot Smith são pontos a favor nesta primeira longa-metragem do realizador.

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Please don´t say you´re sorry...

2006-02-08T21:47:00.000Z

O deslumbrante segundo vídeo de Madonna, "Sorry", já está disponível:

aqui

(post de dia 8 de Fevereiro com o nome "Stream Sorry")

Senta-te

2006-02-04T21:35:00.000Z

Foto de Júlio Viana

“Memoirs of a geisha” (2006), Rob Marshall

2006-02-01T22:21:00.000Z

Remember, Chiyo, geisha are not courtesans. And we are not wives. We sell our skills, not our bodies. We create another secret world, a place only of beauty. The very word "geisha" means artist and to be a geisha is to be judged as a moving work of art.

Baseado no romance de Arthur Golden, “Memoirs of a geisha” retrata a vida de Chiyo, uma menina que aos nove anos foi vendida pela sua família de pescadores a uma casa de gueixas em Quioto.
Anos mais tarde, esta mesma menina vem a tornar-se numa das mais célebres e reconhecidas gueixas do Japão dos anos 30, Sayuri (Ziyi Zhang).
Num mundo repleto de rituais, segredos, invejas e tradições ancestrais, Sayuri pretende seguir os seus sentimentos, algo que era proibido a alguém da sua condição.

Depois do muito sobrevalorizado “Chicago”, Rob Marshall regressa às grandes produções hollywoodescas para transpor para cinema o aclamado romance.
Com uma fotografia, cenários, guarda-roupa e banda-sonora de excelência, “Memoirs of a geisha” é uma boa adaptação da obra de Arthur Golden, apesar de nunca a superar.
O elenco oriental (chinês, e não japonês como seria de esperar…) nem sempre consegue ser convincente, uma vez que não utiliza a sua língua materna. Este é, na minha opinião, o ponto mais fraco do filme pois seria muito mais interessante e real vermos gueixas a falarem japonês em vez de inglês.
Destaque para Ziyi Zhang e Gong Li (que desempenha o papel da perversa Hatsumomo, a rival de Sayuri).

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Episódios da vida romântica

2006-01-29T23:02:00.000Z

"Love" - Mel Ramos, 1965

“Where the truth lies” (2006), Atom Egoyan

2006-01-28T22:05:00.000Z

Instinto (pouco) fatal

Lanny Morris (Kevin Bacon) e Vince Collins (Colin Firth) são os dois apresentadores/cómicos mais conhecidos dos Estados Unidos na década de 50. Quando as suas carreiras estavam no auge do sucesso, uma jovem é encontrada morta no quarto de hotel que os dois partilhavam. Apesar de nunca terem sido acusados de homicídio, este acontecimento trágico levou à separação do duo.
Quinze anos mais tarde, uma jornalista procura desvendar o mistério em redor da morte de Maureen, envolvendo-se num perigoso jogo.

Pretendendo ser um filme de mistério policial com laivos eróticos à mistura, “Where the truth lies” mais parece uma sequela rasca de “Instinto Fatal”.
As inúmeras analepses, o tom ilusório e esbatido e, principalmente, a imaturidade dramática da actriz principal (Alison Lohman), fazem deste filme um cansativo exercício que de mistério tem pouco.
Nem os experientes Kevin Bacon e Colin Firth conseguem salvar este filme.